A través de un plano secuencia de 85 minutos, PVC-1 narra la historia de Ofelia (Mérida Urquía), una inocente mujer del campo que lucha contra el tiempo por su vida, cuando un grupo de delincuentes comunes encabezados por Benjamín (Hugo Pereira), le pone un collar bomba para extorsionar a su esposo Simón (Daniel Páez) por una insignificante suma de dinero.
PVC-1 es un nuevo tipo de experiencia cinematográfica, donde con el realismo del plano secuencia, el espectador es puesto en la escena y sigue el recorrido de esta valiente mujer y su familia, atravesando el campo en busca de ayuda para poder escapar del tormento físico y psicológico que los aprisiona.

Trailer, fotos:

De allí proceden las rosas baratas que se venden en nuestras floristerías: de enormes explotaciones situadas en Kenia. Las imágenes de una catástrofe ilustran los crueles costes de la globalización y nuestra avaricia.
De manera intrigante, A Blooming Business nos enseña el mundo de Jane, Oscar y Kennedy, que dependen de las haciendas enormes de flores en Naivasha, Kenia. Es un documental poético y conmovedor en el que el realizador Ton Van Zantvoort estudia las vidas de los protagonistas. ¿Es el olor de una rosa importada tan dulce de verdad?

Crítica:

(...) Éste es un film de notable interés, valiente y arriesgado en su momento, que, siguiendo las pautas marcadas por Laura Z. Hobson en su novela (guión de Moss Hart), trata el tema del racismo, variante antisemitismo, de la forma más difícil: sin recurrir a grandes gestos ni a situaciones extremas que reclamen la adhesión del espectador, sino poniendo el dedo sobre las heridas que produce la convivencia cotidiana (esas frecuentes manifestaciones racistas subconscientes, esos repugnantes chistes que no sólo no deberían reírse sino que también deberían reprobarse, esas miradas que expresan todo sin que nadie diga nada en voz alta, esos rechazos en la vida social provocados por reacción a lo que se cree diferente o a lo que no coincide con los intereses del grupo dominante: algo que sigue dándose hoy en todo el mundo apoyándose a veces en bonitos o feos discursos que si dejan algo claro es que la bestia del fascismo sigue ahí agazapada entre nosotros).
José María Latorre en Dirigido nº  234

(...) Gentleman's Agreement / La barrera invisible, hace pensar en una ilustración para la Cosmopolitan Magazine. A todo el mundo se le embellecía. Era una sucesión de clichés. Pero trate usted de entrar en el contexto del cine americano de 1946, en donde todavía no se había oído pronunciar la palabra «judío». Por primera vez, alguien decía que América está llena de antisemitas, a la vez conscientes e inconscientes, y esto entre la mejor gente, entre los más liberales.
En aquel momento era una afirmación mucho más audaz que lo sería hoy. En este sentido, la película abrió nuevos cauces y tienen que agradecérselo a Zanuck, Hart y a mí. Decíamos al público: «Tu eres un americano medio y eres un antisemita. El antisemitismo está en ti». Esto es mejor que decir: «Los antisemitas son, solamente, una banda de monstruos». Y hay que reconocerle a Zanuck el mérito de haber hecho esta película.
Elia Kazan por Elia Kazan entrevista con Michel Ciment. Edt. Fundamentos. (Madrid 1974).

(...) Éste es un film de notable interés, valiente y arriesgado en su momento, que, siguiendo las pautas marcadas por Laura Z. Hobson en su novela (guión de Moss Hart), trata el tema del racismo, variante antisemitismo, de la forma más difícil: sin recurrir a grandes gestos ni a situaciones extremas que reclamen la adhesión del espectador, sino poniendo el dedo sobre las heridas que produce la convivencia cotidiana (esas frecuentes manifestaciones racistas subconscientes, esos repugnantes chistes que no sólo no deberían reírse sino que también deberían reprobarse, esas miradas que expresan todo sin que nadie diga nada en voz alta, esos rechazos en la vida social provocados por reacción a lo que se cree diferente o a lo que no coincide con los intereses del grupo dominante: algo que sigue dándose hoy en todo el mundo apoyándose a veces en bonitos o feos discursos que si dejan algo claro es que la bestia del fascismo sigue ahí agazapada entre nosotros).
José María Latorre en Dirigido nº  234

(...) Gentleman's Agreement / La barrera invisible, hace pensar en una ilustración para la Cosmopolitan Magazine. A todo el mundo se le embellecía. Era una sucesión de clichés. Pero trate usted de entrar en el contexto del cine americano de 1946, en donde todavía no se había oído pronunciar la palabra «judío». Por primera vez, alguien decía que América está llena de antisemitas, a la vez conscientes e inconscientes, y esto entre la mejor gente, entre los más liberales.
En aquel momento era una afirmación mucho más audaz que lo sería hoy. En este sentido, la película abrió nuevos cauces y tienen que agradecérselo a Zanuck, Hart y a mí. Decíamos al público: «Tu eres un americano medio y eres un antisemita. El antisemitismo está en ti». Esto es mejor que decir: «Los antisemitas son, solamente, una banda de monstruos». Y hay que reconocerle a Zanuck el mérito de haber hecho esta película.
Elia Kazan por Elia Kazan entrevista con Michel Ciment. Edt. Fundamentos. (Madrid 1974).

A través de un plano secuencia de 85 minutos, PVC-1 narra la historia de Ofelia (Mérida Urquía), una inocente mujer del campo que lucha contra el tiempo por su vida, cuando un grupo de delincuentes comunes encabezados por Benjamín (Hugo Pereira), le pone un collar bomba para extorsionar a su esposo Simón (Daniel Páez) por una insignificante suma de dinero.
PVC-1 es un nuevo tipo de experiencia cinematográfica, donde con el realismo del plano secuencia, el espectador es puesto en la escena y sigue el recorrido de esta valiente mujer y su familia, atravesando el campo en busca de ayuda para poder escapar del tormento físico y psicológico que los aprisiona.

Trailer, fotos:

De allí proceden las rosas baratas que se venden en nuestras floristerías: de enormes explotaciones situadas en Kenia. Las imágenes de una catástrofe ilustran los crueles costes de la globalización y nuestra avaricia.
De manera intrigante, A Blooming Business nos enseña el mundo de Jane, Oscar y Kennedy, que dependen de las haciendas enormes de flores en Naivasha, Kenia. Es un documental poético y conmovedor en el que el realizador Ton Van Zantvoort estudia las vidas de los protagonistas. ¿Es el olor de una rosa importada tan dulce de verdad?

Crítica:

Vivamente el domingo (disparatado título español que traduce de oído y sin sentido Vivement dimanche, que más ajustadamente significa ¡Que llegue el domingo!) es una película bien realizada, con ese buen gusto por el encuadre, característico de Truffaut; con un ritmo narrativo en el que no hay tiempos muertos ni torpezas repetitivas, pero que comienza a huir de la memoria del espectador en cuanto éste abandona la sala. Las peripecias de ese agente inmobiliario, sospechoso de dos crímenes que no ha cometido, ayudado por su intrépida secretaría que averigua la identidad del asesino, tienen capacidad de entretenimiento, pero de ahí a considerar que estamos ante un homenaje a Hitchcock media una larga distancia. Sin necesidad de ser un apasionado defensor del mago del suspense, salta a la vista que la malicia de Hitchcock para complicar historias simples o para divertirse con sorpresas es algo que Truffaut no domina tan claramente. Su admiración es más ingenua que sustancial. A Truffaut le gusta el cine como a un niño un balón: con candor.
Los elementos que formaban parte del cine policiaco clásico correspondían a términos de la época. Ahora no sólo se ha ampliado la libertad de expresión para que el cine acceda a temas tabú, sino que una sensibilidad distinta exige su reproducción en la pantalla. Cierto que Vivement dimanche contiene guiños de humor, pero no sólo de guiños vive el cine ni debería vivir un autor que tantas excelentes películas nos ha dado con anterioridad.
Diego Galán en El País (31 diciembre 1983)

Crítica:

Los trabajadores emigrantes nepalíes en Oriente Próximo: esclavos modernos explotados al máximo. Un estremecedor informe sobre una Asia ferozmente capitalista, más allá de todos los clichés románticos.
Los jóvenes se ponen en camino para escapar de las penas y miserias familiares para ganar sueldos de miseria- el riyal moneda oficial de Arabia Saudita- en el desierto de Qatar.
Desde los años 90, Nepal ha servido de vía de aprovisionamiento de mano de obra barata al golfo Pérsico. La emigración ha vaciado de jóvenes los pueblos nepalíes, dejando los campos al cuidado de mujeres y ancianos.
Kesang Tseten Lama escritor y director es autor de On the Road with the Red God: Machhendranath, We Homes Chaps y Down by the River, y es el responsable del guión de Mukundo (Mask of Desire).

Crítica:

En sus primeros filmes, en general imperfectos, y de los que reniega el propio Kazan, se encuentra fácilmente algún rasgo de ese inimitable arte en la conducción de actores, que hace que en ellos exista un raro toque de diferenciación, algo distinto, un rasgo de ruptura respecto de las pautas de interpretación de las tradiciones institucionalmente admitidas en los estudios de Hollywood.
Sin embargo, Elia Kazan no volvió la espalda a estas tradiciones. Su incorporación a la industria de Hollywood como director de calidad, y en cierto modo de ruptura de las normas establecidas, le llevó a trabajar con actores no educados en el llamado Método, sistema adoptado por las escuelas neoyorquinas de teatro y que en realidad era una refundición, a la americana, de las teorías de Stanislawski, exportadas a los Estados Unidos sobre todo por el gran Michael Chejov.
Su encuentro con estos actores tan dispares de sus formas de trabajo teatral fue, a causa de la sagacidad de Kazan para unir a la suya otras escuelas, un triunfo de la síntesis y de la inteligencia.
El punto más alto de este encuentro es, a mi juicio Pánico en las calles, filme realizado en 1950 e interpretado por dos extraordinarios actores, de formación bastante distinta de la habitual en los filmes y montajes teatrales de Kazan: Jack Palance y Richard Widmark. El encuentro entre estos dos actores y el director es uno de esos instantes del cine que no hay que perderse. El filme es, después de cuatro décadas, insuperable en su género.
Este género, por así llamarlo, nace del encuentro de las tradiciones del llamado cine negro con una nueva óptica sensible tanto a los rasgos míticos de estas tradiciones como, y aquí entra el distintivo de Kazan, a los aspectos sociales y políticos encubiertos bajo tales mitos. La asunción por los cineastas de la izquierda norteamericana de la estructura del thriller alcanzó grado de modelo en este filme de Kazan, que conlleva un estudio afinadísimo del submundo urbano norteamericano, pero visto esta vez con otros ojos, con nuevo ojos. El mito puro y desnudo del cine negro original, a través de la mirada de Kazan adquiere connotaciones políticas explícitas. No es la pura y simple aventura suburbana, sino esa misma aventura, pero con algo más incrustado en ella. Ese algo más, un tanto inefable es lo que hoy proporciona una sorprendente originalidad a Pánico en las calles.
A mi juicio, los dos factores esenciales de ese añadido son, por una parte, la aplicación de la estructura del thriller policiaco a un problema que escapa de las fronteras de la película tópica de policías y, por otro, la forma de interpretar la acción, la trepidante y sin embargo sobria acción por parte de Widmark, Palance y el resto de los admirables actores que, como en todos los filmes de Kazan, alcanzan una sorprendente unidad, por encima de su diversidad.
Widmark realiza una interpretación antológica en su personaje del inspector de sanidad, que busca el rastro de unos apestados que han entrado clandestinamente en los Estados Unidos a través de uno de las laberínticas cloacas que alimentan allí el brutal negocio de la inmigración. Jack Palance, en el otro vértice, le da una asombrosa réplica. Los dos actores no llegan a encontrase hasta el final, sus dos itinerarios de perseguidor y perseguido, sólo tienen un punto de encuentro, pero sus dispersos trayectos son inimaginables por separado, en un sorprendente diálogo a distancia, lleno de fisicidad, de emoción, de talento interpretativo.
Ángel Fernández-Santos en El País (6 julio 1984)

El ciclo KAZAN finalizará el 30 de  octubre.

Los trabajadores emigrantes nepalíes en Oriente Próximo: esclavos modernos explotados al máximo. Un estremecedor informe sobre una Asia ferozmente capitalista, más allá de todos los clichés románticos.
Los jóvenes se ponen en camino para escapar de las penas y miserias familiares para ganar sueldos de miseria- el riyal moneda oficial de Arabia Saudita- en el desierto de Qatar.
Desde los años 90, Nepal ha servido de vía de aprovisionamiento de mano de obra barata al golfo Pérsico. La emigración ha vaciado de jóvenes los pueblos nepalíes, dejando los campos al cuidado de mujeres y ancianos.
Kesang Tseten Lama escritor y director es autor de On the Road with the Red God: Machhendranath, We Homes Chaps y Down by the River, y es el responsable del guión de Mukundo (Mask of Desire).

Crítica:

En sus primeros filmes, en general imperfectos, y de los que reniega el propio Kazan, se encuentra fácilmente algún rasgo de ese inimitable arte en la conducción de actores, que hace que en ellos exista un raro toque de diferenciación, algo distinto, un rasgo de ruptura respecto de las pautas de interpretación de las tradiciones institucionalmente admitidas en los estudios de Hollywood.
Sin embargo, Elia Kazan no volvió la espalda a estas tradiciones. Su incorporación a la industria de Hollywood como director de calidad, y en cierto modo de ruptura de las normas establecidas, le llevó a trabajar con actores no educados en el llamado Método, sistema adoptado por las escuelas neoyorquinas de teatro y que en realidad era una refundición, a la americana, de las teorías de Stanislawski, exportadas a los Estados Unidos sobre todo por el gran Michael Chejov.
Su encuentro con estos actores tan dispares de sus formas de trabajo teatral fue, a causa de la sagacidad de Kazan para unir a la suya otras escuelas, un triunfo de la síntesis y de la inteligencia.
El punto más alto de este encuentro es, a mi juicio Pánico en las calles, filme realizado en 1950 e interpretado por dos extraordinarios actores, de formación bastante distinta de la habitual en los filmes y montajes teatrales de Kazan: Jack Palance y Richard Widmark. El encuentro entre estos dos actores y el director es uno de esos instantes del cine que no hay que perderse. El filme es, después de cuatro décadas, insuperable en su género.
Este género, por así llamarlo, nace del encuentro de las tradiciones del llamado cine negro con una nueva óptica sensible tanto a los rasgos míticos de estas tradiciones como, y aquí entra el distintivo de Kazan, a los aspectos sociales y políticos encubiertos bajo tales mitos. La asunción por los cineastas de la izquierda norteamericana de la estructura del thriller alcanzó grado de modelo en este filme de Kazan, que conlleva un estudio afinadísimo del submundo urbano norteamericano, pero visto esta vez con otros ojos, con nuevo ojos. El mito puro y desnudo del cine negro original, a través de la mirada de Kazan adquiere connotaciones políticas explícitas. No es la pura y simple aventura suburbana, sino esa misma aventura, pero con algo más incrustado en ella. Ese algo más, un tanto inefable es lo que hoy proporciona una sorprendente originalidad a Pánico en las calles.
A mi juicio, los dos factores esenciales de ese añadido son, por una parte, la aplicación de la estructura del thriller policiaco a un problema que escapa de las fronteras de la película tópica de policías y, por otro, la forma de interpretar la acción, la trepidante y sin embargo sobria acción por parte de Widmark, Palance y el resto de los admirables actores que, como en todos los filmes de Kazan, alcanzan una sorprendente unidad, por encima de su diversidad.
Widmark realiza una interpretación antológica en su personaje del inspector de sanidad, que busca el rastro de unos apestados que han entrado clandestinamente en los Estados Unidos a través de uno de las laberínticas cloacas que alimentan allí el brutal negocio de la inmigración. Jack Palance, en el otro vértice, le da una asombrosa réplica. Los dos actores no llegan a encontrase hasta el final, sus dos itinerarios de perseguidor y perseguido, sólo tienen un punto de encuentro, pero sus dispersos trayectos son inimaginables por separado, en un sorprendente diálogo a distancia, lleno de fisicidad, de emoción, de talento interpretativo.
Ángel Fernández-Santos en El País (6 julio 1984)

El ciclo KAZAN finalizará el 30 de  octubre.

Vivamente el domingo (disparatado título español que traduce de oído y sin sentido Vivement dimanche, que más ajustadamente significa ¡Que llegue el domingo!) es una película bien realizada, con ese buen gusto por el encuadre, característico de Truffaut; con un ritmo narrativo en el que no hay tiempos muertos ni torpezas repetitivas, pero que comienza a huir de la memoria del espectador en cuanto éste abandona la sala. Las peripecias de ese agente inmobiliario, sospechoso de dos crímenes que no ha cometido, ayudado por su intrépida secretaría que averigua la identidad del asesino, tienen capacidad de entretenimiento, pero de ahí a considerar que estamos ante un homenaje a Hitchcock media una larga distancia. Sin necesidad de ser un apasionado defensor del mago del suspense, salta a la vista que la malicia de Hitchcock para complicar historias simples o para divertirse con sorpresas es algo que Truffaut no domina tan claramente. Su admiración es más ingenua que sustancial. A Truffaut le gusta el cine como a un niño un balón: con candor.
Los elementos que formaban parte del cine policiaco clásico correspondían a términos de la época. Ahora no sólo se ha ampliado la libertad de expresión para que el cine acceda a temas tabú, sino que una sensibilidad distinta exige su reproducción en la pantalla. Cierto que Vivement dimanche contiene guiños de humor, pero no sólo de guiños vive el cine ni debería vivir un autor que tantas excelentes películas nos ha dado con anterioridad.
Diego Galán en El País (31 diciembre 1983)

Crítica: