Andreas (Max von Sydow) es un hombre solitario que vive apartado de todo y de todos en una pequeña isla del norte. Su vida tranquila y silenciosa se verá alterada cuando conozca a Eva y Elis, un encantador matrimonio que, a su vez, acoge en su casa a Anna. Esta última acaba de enterarse de que su marido no quiere seguir viviendo con ella, y en su desolación encontrará cariño en Andreas, que también está divorciado. Aunque en un principio todo parece ir de maravilla, las discusiones y la violencia (tanto física como verbal) no tardarán en florecer. Eva y Elis resultan compartir una relación que se encuentra al borde del desastre, mientras que los cuidados que en un principio se brindan Anna y Andreas terminarán por convertirse en verdades espetadas cuyo único objetivo será herir al otro. Por si esto no fuera poco, la violencia de las que es testigo la isla alcanza niveles repulsivos cuando un asesino en serie de animales hace su aparición. Otro ermitaño, amigo de Andreas, será el principal sospechoso de la policía mientras que los vecinos desean tomarse la justicia por su mano.

Pasión muestra la imposibilidad de amar que sufren las personas abandonadas. En su propia debilidad no hayan auxilio ni consuelo en ninguna palabra amable, parece que solo saben destruir todo lo bueno que hay a su alrededor. Quizás porque no pueden soportarlo. Verbalizan sus emociones mientras los ojos se les van colmando de lágrimas, y cuando se sienten expuestos parece que solo pueden responder con ira para volver a nivelar la situación. Anna y Andreas son relativamente felices durante un tiempo, pero ninguno de los dos puede superar el pasado ni escapar de su eterna soledad.

Quizás uno de los mayores logros de esta película es que la acción ficticia se intercala con breves momentos en los que los cuatro protagonistas principales comparten con la cámara lo que sienten hacia los personajes que interpretan, facilitando al espectador el sentirse cercano hacia las personas que está viendo en pantalla. Pero también sirve para que uno mismo se haga sus propias preguntas y se replantee su forma de ver a ese pequeño grupo de personajes que todavía no han aprendido a encontrar su lugar.

Pablo Gracia Salinas

Después de haber rodado una de sus películas menos inspiradas, The Touch (La Carcoma (1971)), Bergman se levantó con una de sus cumbres más altas: Gritos y susurros (1972). No en vano reconoció en su libro Imágenes: "Hoy siento que en Persona -y luego en Gritos y Susurros-he ido lo más lejos que puedo y que en estos dos casos, cuando trabajaba en total libertad, tocaba secretos sin palabras que sólo el cine puede descubrir".

La historia es muy sencilla. Agnes (Harriet Andersson) está agonizando por un cáncer. Cuidan de ella sus dos hermanas, María (Liv Ullmann) y Karin (Ingrid Thulin), y la criada Anna (Kary Sylwan). Todo esto transcurre en una mansión redecorada de finales del siglo XVIII. El peso de la trama recae sobre cada uno de los personajes, de manera que mientras avanza linealmente la historia principal, se intercalan tres 3 flash-back para Agnes, Karin y María, y una evocación onírica para Anna. De esta forma vamos conociendo más detalladamente a cada una de ellas, a las que veremos en las situaciones cada vez más significativas. Mención especial tiene en este reparto las interpretaciones de Harriet Andersson a pesar de su restringido papel de enferma, y de Liv Ullman, que aquí consigue quizá los mejores primeros planos de toda su carrera.

La película se presenta así como el paradigma de las llamadas "películas de cámara", es decir, aquellas con poco decorado y personajes, acción dramática e iluminación tenue. De hecho, el propio título nos dice mucho acerca de la estructura del film, donde se alterna una melodía lenta y suave con los ascensos dramáticos más desgarradores. Y es que aquí Bergman lleva su teoría del cine hasta las últimas consecuencias, teoría en la que el cine tiene un parentesco vital con la música y con los sueños.  El espectador solo se tiene que dejar llevar por el ritmo al que se mueven las imágenes, al que apenas habrá unas pocas películas que se le puedan comparar.  Esencial para vivificar este ritmo es también la fotografía, pues estamos ante uno de los mayores trabajos de Sven Nykvist, que recibió el Óscar por este trabajo. Él mismo en su libro El culto a la luz refiere la búsqueda hacia la simplicidad de la luz y del color a la que dedicó todos sus esfuerzos, y este caso es un ejemplo perfecto. Con reducción de color y luz natural de otoño Nykvist nos ofrece un regalo a la vista, y eleva a la máxima expresión artística aquello que Bergman tanto se empeñaba en filmar, las reacciones humanas frente a la existencia insegura. Además cobra especial importancia el color rojo, que se distribuye por toda la película, bien como decorado, maquillaje o fundidos de pantalla. En el propio guión está escrito que simbolizaba el interior del alma, y en cualquier caso es un elemento excitante y misterioso. Por último es interesante destacar la música, pues no hay banda sonora, sino que solo se escucha dos veces un vals de Chopin en escenas ligeras (susurros) y otras dos veces la Suite Nº 2 para violonchelo de J.S. Bach en momentos de gran dramatismo (gritos).

En definitiva, esta es una de las mayores experiencias que ha alcanzado el cine. Si bien hay que advertir al espectador del tono deprimente que reina en la película y que no todos pueden asimilar. Gritos y susurros entra sin miramientos al fondo oscuro del alma, y entra con dolor y sin piedad. Todo lo que en un principio parece esperanzador después se trueca en falsedad, y los sentimientos de miedo, rabia, indiferencia y crueldad saltan de la pantalla con una fuerza inaudita. Pero por eso mismo esta obra llega más profundamente que ninguna al corazón del público. Además con Bergman siempre queda un toque sutil de pasión, y este lo tendrá que buscar el espectador en la proyección.

JULIO BELTRÁN VELAMAZÁN

Medulla Oblongata.

Abraham Naim es más conocido por su alter ego: Medulla Oblongata, drag queen muy popular en la escena LGTB de Auckland, Nueva Zelanda.

Pero la vida de Abraham no ha sido siempre así. Refugiado de la persecución homófoba en su país natal, Maldivas, exploraremos su vida actual y la que dejo atrás.

Queercore: how to punk a revolution.

De Bruce LaBruce y G.B. Jones a las Riot Grrrls, Femen o Black Live Matters. El "queercore" apareció en los 80 como una reacción, una venganza cultural anárquica, disidente y radical frente al aburguesamiento gay y la homofobia en el punk. Fanzines, grupos queer punk y películas subversivas se constituyen en las herramientas para desmontar esa comunidad que podría ser la tuya, pero que no es la que quieres.

Debiut / Debut

La animación abarca, con cierta ironía, el tema de la creación de la primera obra (debut), momento en el que el autor suele sufrir por el exceso de ideas y la incapacidad de limitarlas.

Więzi /Close Ties

Hace ocho años Zdzisław dejó a Barbara por su amante. Tras ocho años ha vuelto con ella. El regreso a una vida común resulta difícil para la pareja, aunque llevan casados 45 años.

Zaczyn / Levadura

Fantasía inspirada libremente en una receta para preparar torta casera.

Nauka / Educación

Los niños polacos aprenden "Ciencia", del famoso poeta Julian Tuwim La frase poética es, a veces, incomprensible y algunas palabras necesitan aclaración. Los padres afrontan la tarea de explicar el poema a sus hijos.

Trzy rozmowy o życiu / Tres conversaciones sobre la vida Una conversación difícil entre madre (médica, creyente y católica practicante) e hija (agnóstica y con unos hijos que han llegado al mundo gracias a la fecundación in vitro). Todo un debate entre el amor y la fe.

Zagraj ze mną / Juega conmigo

Liza visita a su primo Pol. Ambos vuelven a los juegos de su infancia. Sus provocativos desafíos no tienen límite, hasta que conocen a Robert.

http://www.cinepolska.es/sesion-de-cortometrajes/

El programa de CinePOLSKA 2018 incluye la proyección de 6 cortometrajes creados por los más jóvenes cineastas. Consideramos esta serie como una propuesta experimental dentro de una muestra de cine polaco contemporáneo. Sus cortometrajes de ficción, documentales y animaciones muestran una aportación diferente al cine de hoy, tanto en la elección del tema como en el uso de medios de expresión artística. Veremos el cine artístico entrelazándose con cine de género y acercándose a importantes temas sociales, tratando la realidad con humor y sin miedo a atreverse y arriesgar.

La selección de cortometrajes es el fruto del certamen organizado anualmente en Poznań bajo el nombre Short Waves Festival - The Best New Polish Shorts, dirigido a los nuevos creadores del mundo del cine. Son, a veces, trabajos de fin de carrera preparados bajo la tutela de sus profesores, directores ya reconocidos del cine polaco. Tal y como señalan los organizadores del certamen de la Fundación Ad Arte, estas obras combinan tres características: son cortas, buenas y polacas. En colaboración con la Fundación Ad Arte www.adarte.pl y Short Waves Festival www.shortwaves.pl

Andreas (Max von Sydow) es un hombre solitario que vive apartado de todo y de todos en una pequeña isla del norte. Su vida tranquila y silenciosa se verá alterada cuando conozca a Eva y Elis, un encantador matrimonio que, a su vez, acoge en su casa a Anna. Esta última acaba de enterarse de que su marido no quiere seguir viviendo con ella, y en su desolación encontrará cariño en Andreas, que también está divorciado. Aunque en un principio todo parece ir de maravilla, las discusiones y la violencia (tanto física como verbal) no tardarán en florecer. Eva y Elis resultan compartir una relación que se encuentra al borde del desastre, mientras que los cuidados que en un principio se brindan Anna y Andreas terminarán por convertirse en verdades espetadas cuyo único objetivo será herir al otro. Por si esto no fuera poco, la violencia de las que es testigo la isla alcanza niveles repulsivos cuando un asesino en serie de animales hace su aparición. Otro ermitaño, amigo de Andreas, será el principal sospechoso de la policía mientras que los vecinos desean tomarse la justicia por su mano.

Pasión muestra la imposibilidad de amar que sufren las personas abandonadas. En su propia debilidad no hayan auxilio ni consuelo en ninguna palabra amable, parece que solo saben destruir todo lo bueno que hay a su alrededor. Quizás porque no pueden soportarlo. Verbalizan sus emociones mientras los ojos se les van colmando de lágrimas, y cuando se sienten expuestos parece que solo pueden responder con ira para volver a nivelar la situación. Anna y Andreas son relativamente felices durante un tiempo, pero ninguno de los dos puede superar el pasado ni escapar de su eterna soledad.

Quizás uno de los mayores logros de esta película es que la acción ficticia se intercala con breves momentos en los que los cuatro protagonistas principales comparten con la cámara lo que sienten hacia los personajes que interpretan, facilitando al espectador el sentirse cercano hacia las personas que está viendo en pantalla. Pero también sirve para que uno mismo se haga sus propias preguntas y se replantee su forma de ver a ese pequeño grupo de personajes que todavía no han aprendido a encontrar su lugar.

Pablo Gracia Salinas

Little Potato

Luchando por sobrevivir en la URSS durante los años de la Perestroika, Elena y su joven hijo gay se evaden en el mundo de las películas estadounidenses pirateadas. Pero pronto las películas no bastarán y Elena decidirá convertirse en una "esposa por encargo" para descubrir América en persona.

Porcupine Lake

Bea tiene 13 años y quiere una mejor amiga por encima de todas las cosas, pero cuando conoce a la inquieta Kate recibe más de lo que nunca se hubiese podido imaginar. Atraídas por la curiosidad, el deseo, su fascinación y el temor por el inminente mundo de la adolescencia, la pareja forja un vínculo profundo, a pesar de las objeciones de quienes los rodean sobre cuán efímera será su amistad. La traición, el abandono y la separación son, para las preadolescentes, también tragedias.

Porcupine Lake es una historia sobre la valentía y sobre el mundo secreto de las chicas.

Después de haber rodado una de sus películas menos inspiradas, The Touch (La Carcoma (1971)), Bergman se levantó con una de sus cumbres más altas: Gritos y susurros (1972). No en vano reconoció en su libro Imágenes: "Hoy siento que en Persona -y luego en Gritos y Susurros-he ido lo más lejos que puedo y que en estos dos casos, cuando trabajaba en total libertad, tocaba secretos sin palabras que sólo el cine puede descubrir".

La historia es muy sencilla. Agnes (Harriet Andersson) está agonizando por un cáncer. Cuidan de ella sus dos hermanas, María (Liv Ullmann) y Karin (Ingrid Thulin), y la criada Anna (Kary Sylwan). Todo esto transcurre en una mansión redecorada de finales del siglo XVIII. El peso de la trama recae sobre cada uno de los personajes, de manera que mientras avanza linealmente la historia principal, se intercalan tres 3 flash-back para Agnes, Karin y María, y una evocación onírica para Anna. De esta forma vamos conociendo más detalladamente a cada una de ellas, a las que veremos en las situaciones cada vez más significativas. Mención especial tiene en este reparto las interpretaciones de Harriet Andersson a pesar de su restringido papel de enferma, y de Liv Ullman, que aquí consigue quizá los mejores primeros planos de toda su carrera.

La película se presenta así como el paradigma de las llamadas "películas de cámara", es decir, aquellas con poco decorado y personajes, acción dramática e iluminación tenue. De hecho, el propio título nos dice mucho acerca de la estructura del film, donde se alterna una melodía lenta y suave con los ascensos dramáticos más desgarradores. Y es que aquí Bergman lleva su teoría del cine hasta las últimas consecuencias, teoría en la que el cine tiene un parentesco vital con la música y con los sueños.  El espectador solo se tiene que dejar llevar por el ritmo al que se mueven las imágenes, al que apenas habrá unas pocas películas que se le puedan comparar.  Esencial para vivificar este ritmo es también la fotografía, pues estamos ante uno de los mayores trabajos de Sven Nykvist, que recibió el Óscar por este trabajo. Él mismo en su libro El culto a la luz refiere la búsqueda hacia la simplicidad de la luz y del color a la que dedicó todos sus esfuerzos, y este caso es un ejemplo perfecto. Con reducción de color y luz natural de otoño Nykvist nos ofrece un regalo a la vista, y eleva a la máxima expresión artística aquello que Bergman tanto se empeñaba en filmar, las reacciones humanas frente a la existencia insegura. Además cobra especial importancia el color rojo, que se distribuye por toda la película, bien como decorado, maquillaje o fundidos de pantalla. En el propio guión está escrito que simbolizaba el interior del alma, y en cualquier caso es un elemento excitante y misterioso. Por último es interesante destacar la música, pues no hay banda sonora, sino que solo se escucha dos veces un vals de Chopin en escenas ligeras (susurros) y otras dos veces la Suite Nº 2 para violonchelo de J.S. Bach en momentos de gran dramatismo (gritos).

En definitiva, esta es una de las mayores experiencias que ha alcanzado el cine. Si bien hay que advertir al espectador del tono deprimente que reina en la película y que no todos pueden asimilar. Gritos y susurros entra sin miramientos al fondo oscuro del alma, y entra con dolor y sin piedad. Todo lo que en un principio parece esperanzador después se trueca en falsedad, y los sentimientos de miedo, rabia, indiferencia y crueldad saltan de la pantalla con una fuerza inaudita. Pero por eso mismo esta obra llega más profundamente que ninguna al corazón del público. Además con Bergman siempre queda un toque sutil de pasión, y este lo tendrá que buscar el espectador en la proyección.

JULIO BELTRÁN VELAMAZÁN

Buscando a Djeneba es la historia de una amistad poco probable. Dos mundos opuestos, unidos por un encuentro casual. La demostración de que los seres humanos somos esencialmente iguales, por mucho que el color de la piel, la religión y la cultura se empeñen en decir lo contrario.

Trailer https://drive.google.com/open?id=1mA3XcxSPDTyVFloWWGtzAULqqar2yNU7

Tailor.

Tailor es un dibujante trans que comparte en internet sus experiencias y las de otras personas transgénero. Una película de animación sobre las personas trans, hecha por personas trans.

Cold Breath.

Nacida en un cuerpo de mujer, desde su infancia Maryam vive secretamente su vida como hombre. Cuando uno de sus hijos enferma, no le queda más opción que dejar que extraños a su familia se acerquen a su espacio....

Con una estética cruda pero exquisita, Cold Breath nos trae la historia de una familia iraní no convencional, y de sus luchas contra las divisiones de clase, género e identidad.