De todos los directores que se han acercado en una u otra ocasión al teatro de Tennessee sólo tres han conseguido el respeto y el distanciamiento necesario hacia el autor adaptado, romper las férreas formas del teatro filmado y traspasar a la pantalla esa corriente de impulsos y sentimientos casi enfermizos sobre los que Williams cimentó su obra. Son Richard Brooks (La gata sobre eltejado de zinc y Dulce pájaro de juventud), Joseph Leo Mankiewicz (De repente, el último verano) y Elia Kazan (Un tranvía llamado deseo y Baby Doll).
La historia del rudo obrero StanleyKowalski (Marlon Brando en la primera de sus tres eléctricas colaboraciones con Kazan) y su cuñada Blanche Dubois (Vivien Leigh, que había interpretado el personaje en escenarios londinenses bajo dirección de su marido Laurence Olivier), fue suavizada convenientemente aunque sin perder ni un ápice de su fuerza dramática y su extraña y malsana fisicidad. Ambientada en el barrio francés de Nueva Orleans, la historia da vueltas cada vez más cerradas en torno a esa mujer frágil, pálida y fantasiosa lanzada a la ninfomanía después del suicidio de su esposo homosexual y repudiada de manera brutal por su insensible cuñado. Colisión de dos mundos antagónicos, aunque igual de endebles, que Kazan encierra en el interior del pequeño apartamento de Stanley y su mujer (espléndida Kim Hunter) y observa a partir de rasgos cotidianos como las partidas de póker, el deterioro exterior del barrio o el sudor que se adhiere a los personajes. Al final, Kazan despide con un hermoso travelling a Blanche cuando ésta deja irremediablemente el mundo de la cordura, ataviada con su mejor vestido, esperando a un ficticio amigo que la debe llevar de viaje al Caribe, Blanche se deja conducir dócilmente por un médico y una enfermera hacia el sanatorio donde, presumiblemente, pasará el resto de su ilusoria vida.Quim Casas en Dirigido por... nº 237

Crítica:

El director John Webster también se ocupa de la cuestión del cambio climático y de lo que cada uno puede hacer para tratar este tema. En la película, el director nos deja compartir su intento por llevar un estilo de vida en el que se requiera poco CO2. Durante un año, él y su familia intentan atenuar considerablemente su «huella digital ecológica». Para ello, entre otras cosas, renuncian al coche, a la electricidad o a los productos de plástico, además de cambiar radicalmente su alimentación mediante el consumo de productos regionales exclusivamente. La película no solo cuenta las dificultades y reticencias que le surgen al protagonista a diario, sino también las nuevas libertades que descubre, y todo ello lo cuenta con mucho humor y autenticidad. Así, además de mostrar la evidente discrepancia entre el verdadero estilo de vida actual y el que se podría conseguir en un futuro, la película también muestra la mejora de la calidad de vida que suponen estos cambios. Una excursión desde los intereses materiales hasta la consciencia de uno mismo con respecto a todo lo demás.

Fotos, trailer, comentario:

¡Viva Zapata! Elia Kazan 1952, es una de las obras más logradas de este insuperable director de actores, que proporcionó a Marlon Brando, Jean Peters y Anthony Quinn -que obtuvo un oscar por su trabajo en este filme- tres personajes de explosiva riqueza.
La película fue, en su tiempo, discutida y con razón, a causa de sus muchas imprecisiones políticas e históricas en la reconstrucción de la inabarcable y trágica vida del revolucionario mexicano Emiliano Zapata. Hoy, esta imprecisión puede verse con ojos más indulgentes, porque otros aspectos más positivos del filme han salido con los años a primer término y la atenúan. Kazan y John Steinbeck, que escribió el guión, no se preocuparon  en el filme tanto de relatar escrupulosamente la vida real de Zapata, como de extraer de ella los rasgos distintivos de lo que después de la muerte del revolucionario fue  su leyenda personal.
En efecto, vista hoy ¡Viva Zapata!, los aspectos poéticos del filme superan y desbordan a los políticos de tal manera que las inexactitudes del análisis de la historia del movimiento de los braceros del estado mexicano de Morelos, que capitanearon los hermanos Emiliano y Eufemiano Zapata, se perdona e incluso se olvida, redimido por la extraordinaria hermosura formal del filme, que se puede considerar uno de los más perfectos de Elia Kazan.
Debe verse ¡Viva Zapata! sin demasiados prejuicios políticos, sí se quiere saborear su calidad cinematográfica. Kazan la realizó en un momento delicado de su vida, cuando jugó para preservar su carrera, la dudosa carta del arrepentimiento de su pasado comunista ante los miembros del fascista Comité de Actividades Antiamericanas. Cuando realizó el filme, Kazan ya había sido señalado con el dedo por Joseph McCarthy, estaba en la lista negra, y lo sabía. De ahí que su visión de la revolución mexicana destilara cierto aire parabólico, que hizo del filme una metáfora sobre problemas caseros de la izquierda en los EEUU. La función del periodista radical norteamericano, que interpreta prodigiosamente Joseph Wiseman, revela que la óptica política del filme es más estadounidense que mexicana.
En el otro aspecto, en el poético y narrativo, el filme es esplendoroso, y está lleno de secuencias magistrales inolvidables, como, entre muchas, la del prendimiento de Zapata y su liberación por los campesinos, la noche de bodas del revolucionario, el asesinato de Madero por Huertas, la muerte de Eufemiano Zapata, y la terrible escena del fusilamiento de Zapata, que es un momento mayor del cine épico de todos los tiempos.
Ángel Fernández Santos en El País (4 mayo 1984)

Crítica y enlaces a otras películas Kazan:

El director John Webster también se ocupa de la cuestión del cambio climático y de lo que cada uno puede hacer para tratar este tema. En la película, el director nos deja compartir su intento por llevar un estilo de vida en el que se requiera poco CO2. Durante un año, él y su familia intentan atenuar considerablemente su «huella digital ecológica». Para ello, entre otras cosas, renuncian al coche, a la electricidad o a los productos de plástico, además de cambiar radicalmente su alimentación mediante el consumo de productos regionales exclusivamente. La película no solo cuenta las dificultades y reticencias que le surgen al protagonista a diario, sino también las nuevas libertades que descubre, y todo ello lo cuenta con mucho humor y autenticidad. Así, además de mostrar la evidente discrepancia entre el verdadero estilo de vida actual y el que se podría conseguir en un futuro, la película también muestra la mejora de la calidad de vida que suponen estos cambios. Una excursión desde los intereses materiales hasta la consciencia de uno mismo con respecto a todo lo demás.

Fotos, trailer, comentario:

¡Viva Zapata! Elia Kazan 1952, es una de las obras más logradas de este insuperable director de actores, que proporcionó a Marlon Brando, Jean Peters y Anthony Quinn -que obtuvo un oscar por su trabajo en este filme- tres personajes de explosiva riqueza.
La película fue, en su tiempo, discutida y con razón, a causa de sus muchas imprecisiones políticas e históricas en la reconstrucción de la inabarcable y trágica vida del revolucionario mexicano Emiliano Zapata. Hoy, esta imprecisión puede verse con ojos más indulgentes, porque otros aspectos más positivos del filme han salido con los años a primer término y la atenúan. Kazan y John Steinbeck, que escribió el guión, no se preocuparon  en el filme tanto de relatar escrupulosamente la vida real de Zapata, como de extraer de ella los rasgos distintivos de lo que después de la muerte del revolucionario fue  su leyenda personal.
En efecto, vista hoy ¡Viva Zapata!, los aspectos poéticos del filme superan y desbordan a los políticos de tal manera que las inexactitudes del análisis de la historia del movimiento de los braceros del estado mexicano de Morelos, que capitanearon los hermanos Emiliano y Eufemiano Zapata, se perdona e incluso se olvida, redimido por la extraordinaria hermosura formal del filme, que se puede considerar uno de los más perfectos de Elia Kazan.
Debe verse ¡Viva Zapata! sin demasiados prejuicios políticos, sí se quiere saborear su calidad cinematográfica. Kazan la realizó en un momento delicado de su vida, cuando jugó para preservar su carrera, la dudosa carta del arrepentimiento de su pasado comunista ante los miembros del fascista Comité de Actividades Antiamericanas. Cuando realizó el filme, Kazan ya había sido señalado con el dedo por Joseph McCarthy, estaba en la lista negra, y lo sabía. De ahí que su visión de la revolución mexicana destilara cierto aire parabólico, que hizo del filme una metáfora sobre problemas caseros de la izquierda en los EEUU. La función del periodista radical norteamericano, que interpreta prodigiosamente Joseph Wiseman, revela que la óptica política del filme es más estadounidense que mexicana.
En el otro aspecto, en el poético y narrativo, el filme es esplendoroso, y está lleno de secuencias magistrales inolvidables, como, entre muchas, la del prendimiento de Zapata y su liberación por los campesinos, la noche de bodas del revolucionario, el asesinato de Madero por Huertas, la muerte de Eufemiano Zapata, y la terrible escena del fusilamiento de Zapata, que es un momento mayor del cine épico de todos los tiempos.
Ángel Fernández Santos en El País (4 mayo 1984)

Crítica y enlaces a otras películas Kazan:

De todos los directores que se han acercado en una u otra ocasión al teatro de Tennessee sólo tres han conseguido el respeto y el distanciamiento necesario hacia el autor adaptado, romper las férreas formas del teatro filmado y traspasar a la pantalla esa corriente de impulsos y sentimientos casi enfermizos sobre los que Williams cimentó su obra. Son Richard Brooks (La gata sobre eltejado de zinc y Dulce pájaro de juventud), Joseph Leo Mankiewicz (De repente, el último verano) y Elia Kazan (Un tranvía llamado deseo y Baby Doll).
La historia del rudo obrero StanleyKowalski (Marlon Brando en la primera de sus tres eléctricas colaboraciones con Kazan) y su cuñada Blanche Dubois (Vivien Leigh, que había interpretado el personaje en escenarios londinenses bajo dirección de su marido Laurence Olivier), fue suavizada convenientemente aunque sin perder ni un ápice de su fuerza dramática y su extraña y malsana fisicidad. Ambientada en el barrio francés de Nueva Orleans, la historia da vueltas cada vez más cerradas en torno a esa mujer frágil, pálida y fantasiosa lanzada a la ninfomanía después del suicidio de su esposo homosexual y repudiada de manera brutal por su insensible cuñado. Colisión de dos mundos antagónicos, aunque igual de endebles, que Kazan encierra en el interior del pequeño apartamento de Stanley y su mujer (espléndida Kim Hunter) y observa a partir de rasgos cotidianos como las partidas de póker, el deterioro exterior del barrio o el sudor que se adhiere a los personajes. Al final, Kazan despide con un hermoso travelling a Blanche cuando ésta deja irremediablemente el mundo de la cordura, ataviada con su mejor vestido, esperando a un ficticio amigo que la debe llevar de viaje al Caribe, Blanche se deja conducir dócilmente por un médico y una enfermera hacia el sanatorio donde, presumiblemente, pasará el resto de su ilusoria vida.Quim Casas en Dirigido por... nº 237

Crítica:

Rodados entre 1952 y 1955, Un tranvía llamado Deseo, ¡Viva Zapata!, La ley del silencio y Al este del Edén son cuatro films que han merecido para su director, Elia Kazan, un puesto de honor en lo que comúnmente se entiende por historia del cine. Kazan, en el mejor momento de su carrera, se sirvió de su perfecto dominio de la narración cinematográfica y de su maestría en la dirección de actores para describir un puñado de personajes inolvidables en pugna con las normas establecidas, con la sociedad que les rodea y, en última instancia, consigo mismos.
Pero fue también en esta época -en 1952, concretamente- cuando el director vivió el conflicto que marcaría su vida. Llamado a declarar ante el Comité de Actividades Antiamericanas, en plena "caza de brujas" instigada por el senador McCarthy, Kazan acabó facilitando al siniestro comité una relación de supuestos comunistas con el fin de lavar su pasada militancia en el propio Partido Comunista. En este sentido, los dos films que realizó inmediatamente después -Fugitivos del terror rojo y La ley del silencio- constituyen una clara consecuencia de sus actos.
Aunque La ley del silencio tenía como punto de partida un guión de Arthur Miller ("The Hook") sobre el ambiente portuario de Nueva York, la actuación de Kazan ante el comité supuso una ruptura definitiva de su estrecha amistad con el dramaturgo (Kazan había dirigido anteriormente en teatro, con gran éxito, "Todos eran mis hijos" y "La muerte de un viajante"). La consecuencia de dicha ruptura fue que el nuevo guión corrió a cargo de Budd Schulberg, a partir de unas crónicas periodísticas de Malcolm Johnson. Puesto que Schulberg había sido otro de los encausados que había cedido a las presiones del comité, fácilmente se puede advertir el cariz autojustificativo de la historia, tanto para el director como para el guionista.
El tema central del film es la denuncia de la corrupción mafiosa de los sindicatos portuarios vista -y vivida- por Terry Malloy, un ex boxeador de escasas luces que poco a poco va tomando conciencia de la situación, especialmente después de la muerte de su hermano, lo que le lleva a enfrentarse a la peligrosa banda de extorsionadores. La actitud de Terry se ve impulsada a partes iguales por el amor de Eddie y los consejos del padre Barry, un sacerdote inspirado en un personaje real. A la atenta descripción de la vida cotidiana de los trabajadores portuarios, sometidos a la explotación de los gángsters, se une el dilema del protagonista entre la lealtad a sus supuestos amigos y el deber moral de denunciar la situación.
La fuerza y la perfección de La ley del silencio se debe a la cohesión de un equipo técnico bien conjuntado, en el que destaca la excelente fotografía en blanco y negro de Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov, Kaufman había trabajado en todos los films de Jean Vigo antes de trasladarse a EEUU) y la banda sonora de Leonard Bernstein. Pero, sin duda alguna, la baza principal de la película reside en la extraordinaria interpretación de Marlon Brando, cuya mezcla de dureza y vulnerabilidad hace que su personaje adquiera una dimensión que difícilmente habría conseguido con otro protagonista (uno de los primeros candidatos había sido Frank Sinatra).
La labor de Brando se halla perfectamente secundada por la delicada sensibilidad de la debutante Eva Marie Saint, cuyo papel de compañera, confidente y protectora, tendría una cierta continuación en el interpretado por Julie Harris en Al este del Edén.
Como es habitual en los films de Kazan de esta época, La ley del silencio combina dos registros aparentemente antagónicos: el realismo y el lirismo, la denuncia social y el drama romántico (no es difícil advertir que las decisiones de Terry están estrechamente condicionadas por su enamoramiento de Eddie). Kazan desarrolla la acción con rigor y concisión, pero también con una fuerte carga emotiva, hasta culminar en la famosa escena final, con Brando levantándose después de haber sido brutalmente apaleado y acercándose tambaleante al almacén -visto a través de la mirada del protagonista- para iniciar una nueva jornada de trabajo. Una secuencia antológica para un film que ya es un verdadero clásico.
Rafel Miret en Dirigido por ...  marzo 2000 .

Crítica:

Death Of A Bullet,
Un hombre está a punto de suicidarse sin tener en cuenta a la bala.

Butterfly,
Un viaje con retorno de la vida a la muerte, un caleidoscopio de colores, sonidos y movimiento que habita en algún lugar entre el arte y el entretenimiento, y que habla con elocuencia y sutileza del ciclo de la vida y la fugacidad del momento. Nada dura eternamente, pero siempre hay esperanza en la belleza, la forma y la armonía.

Cold Pursuit,
Un hambriento oso polar vive una resbaladiza situación intentando conseguir algo que llevarse a la boca.

Barbershop
Un hombre de negocios, un obrero y un anciano van a cortarse el pelo y a afeitarse a una barbería atípica y melodiosa, donde el servicio de los empleados está integrado en un número musical... para desconcierto de los clientes.

Charred & Feathered
Cuando el hombre que siempre acaba el último siente por fin que su suerte ha cambiado, su rival del otro lado del valle hará lo imposible por equilibrar la balanza.

The Last Elk,
El repentino descenso de la población de alces a raíz de la muerte esporádica de miembros de la última manada de la especie. Distintos instrumentos musicales dan vida a cada uno de los alces. A medida que van muriendo, también lo hace la música que los acompaña.

The Depository,
Un escritor cae en un profundo sueño mientras medita ante a su cuaderno de notas. Su imaginación proyecta un inquietante mundo de espíritus voladores encerrados con alas en forma de libro. Una de las criaturas intenta rescatar a su compañero del almacén de un siniestro coleccionista-conservador.

Midnight Dance
Una deslumbrante interpretación de la composición clásica de Saint-Saëns Danza macabra, protagonizada por esqueletos que bailan un vals en un cementerio.

Horn Ok Please
Un día memorable en la vida de un taxista indio cuyo sueño es conducir un coche con aire acondicionado.

Blind Mans Eye
Una historia aparentemente sencilla sobre un viejo invidente que se sienta junto a un río, en su banco favorito, bajo su árbol favorito. El sol brilla y a sus oídos llegan evocadores sonidos. El hombre deja volar su imaginación...

Demon
Encarcelado en el cielo, en una pequeña celda, un demonio deja transcurrir la eternidad. Anhela asomarse a la solitaria ventana, pero su naturaleza no se lo permite. De pronto, un visitante se posa en el alféizar.

The Red Ball
La historia de un niño morado, una pelota verde, una pelota roja, una niña verde, una niña roja y un niño morado. 

Youghal Clock Tower.
Esta película es la más antigua que se conserva y, posiblemente, la primera pieza de animación irlandesa. Los pioneros hermanos Horgan, feriantes ambulantes que llevaban una linterna mágica, realizan una animación donde la Torre del Reloj de Youghal, el monumento más conocido de la ciudad, salta dentro del cuadro y se "manipula" a sí misma fotograma a fotograma hasta el lugar que le corresponde en la calle principal de Youghal.

The Popes Visit
En el Vaticano, el Papa reza en vano para que Dios le envíe una visión. Al visitar la ciudad, transforma la vida de un compositor, una joven, su admirador, el perro... y un asesino, a la vez que recibe la señal que necesitaba.

Before Sunrise
En un lugar que quizá hayas visto en sueños, entre las casas inclinadas y torcidas de un pintoresco pueblo, las sombras juegan a la luz de la luna. Un mundo mágico en el que una sombra puede enamorarse de una llama.

Headspace
Un niño se distancia de la realidad para evadirse de la espiral de maltrato en la que está sumergido.

Sandpiper
La conmovedora historia de un niño que salva a una lavandera con un ala rota de las despiadadas gaviotas. Tras cuidar del pájaro herido, lo devuelve a su hábitat.  

The House On Dame Street.
En un mundo en el que reina el caos y la maldad, en el que la cabeza de la gente es ligeramente más grande y apenas se reflexiona sobre las cosas porque lleva demasiado tiempo interpretarlas, se acaba de descubrir el secreto de la vida eterna...

Dublin 1,
Esta película plasma un momento en el tiempo de un Dublín en constante metamorfosis. La historia y su futuro están ahí para todos aquellos que deseen verla, pero se encuentran en el interior de una anécdota animada corta y verdadera sobre la visita de un hombre a Dublín 1.

God'S Early Work,
La historia del Génesis 1: cómo empezó todo. Satán, solo y repudiado, encuentra por fin la oportunidad de dejar su impronta en la vida en la Tierra.

Not There Yet,
Título extraído de la ingeniosa campaña publicitaria de la compañía ferroviaria irlandesa Irish Rail, es un viaje a los medios de transporte en Irlanda, uno de los mejores ejemplos de transporte caótico que se puede encontrar.

The Boy Who Had No Store,
Inspirada en el folclore... A un niño que busca un lugar en el que pasar la noche le echan de una casa por ser incapaz de contar una historia. Mientras vaga en la oscuridad, vive una insólita aventura. Más tarde, tras verse obligado a entrar en la misma casa, su aventura se convierte en una historia que contar que será recompensada con una cena.

Dick Terrapin
Ambientada a mediados de los ochenta, esta breve comedia negra sobre el paso a la edad adulta narra la historia de una tortuga galápago que hace lo imposible por lograr que su dueño la odie. Un vuelco del destino hará que logre su propósito.

Ding Dong Denny'S History Of Ireland
Un turista entra en un pub de Dublín para preguntar el camino y se topa en la barra con Ding Dong Denny O'Reilly, que se empeña en contarle la verdadera historia de Irlanda entre pintas de cerveza.

Granny O'Grimm'S Sleeping Beauty
A la abuelita O'Grimm, una anciana aparentemente adorable, se le va la cabeza mientras le cuenta su particular versión de La bella durmiente a su aterrorizada nieta.

The Rooster, The Crocodile And The Night Sky
Un relato de pasión, pérdida, comedia surrealista y violencia explosiva. 

Youghal Clock Tower.
Esta película es la más antigua que se conserva y, posiblemente, la primera pieza de animación irlandesa. Los pioneros hermanos Horgan, feriantes ambulantes que llevaban una linterna mágica, realizan una animación donde la Torre del Reloj de Youghal, el monumento más conocido de la ciudad, salta dentro del cuadro y se "manipula" a sí misma fotograma a fotograma hasta el lugar que le corresponde en la calle principal de Youghal.

The Popes Visit
En el Vaticano, el Papa reza en vano para que Dios le envíe una visión. Al visitar la ciudad, transforma la vida de un compositor, una joven, su admirador, el perro... y un asesino, a la vez que recibe la señal que necesitaba.

Before Sunrise
En un lugar que quizá hayas visto en sueños, entre las casas inclinadas y torcidas de un pintoresco pueblo, las sombras juegan a la luz de la luna. Un mundo mágico en el que una sombra puede enamorarse de una llama.

Headspace
Un niño se distancia de la realidad para evadirse de la espiral de maltrato en la que está sumergido.

Sandpiper
La conmovedora historia de un niño que salva a una lavandera con un ala rota de las despiadadas gaviotas. Tras cuidar del pájaro herido, lo devuelve a su hábitat.  

The House On Dame Street.
En un mundo en el que reina el caos y la maldad, en el que la cabeza de la gente es ligeramente más grande y apenas se reflexiona sobre las cosas porque lleva demasiado tiempo interpretarlas, se acaba de descubrir el secreto de la vida eterna...

Dublin 1,
Esta película plasma un momento en el tiempo de un Dublín en constante metamorfosis. La historia y su futuro están ahí para todos aquellos que deseen verla, pero se encuentran en el interior de una anécdota animada corta y verdadera sobre la visita de un hombre a Dublín 1.

God'S Early Work,
La historia del Génesis 1: cómo empezó todo. Satán, solo y repudiado, encuentra por fin la oportunidad de dejar su impronta en la vida en la Tierra.

Not There Yet,
Título extraído de la ingeniosa campaña publicitaria de la compañía ferroviaria irlandesa Irish Rail, es un viaje a los medios de transporte en Irlanda, uno de los mejores ejemplos de transporte caótico que se puede encontrar.

The Boy Who Had No Store,
Inspirada en el folclore... A un niño que busca un lugar en el que pasar la noche le echan de una casa por ser incapaz de contar una historia. Mientras vaga en la oscuridad, vive una insólita aventura. Más tarde, tras verse obligado a entrar en la misma casa, su aventura se convierte en una historia que contar que será recompensada con una cena.

Dick Terrapin
Ambientada a mediados de los ochenta, esta breve comedia negra sobre el paso a la edad adulta narra la historia de una tortuga galápago que hace lo imposible por lograr que su dueño la odie. Un vuelco del destino hará que logre su propósito.

Ding Dong Denny'S History Of Ireland
Un turista entra en un pub de Dublín para preguntar el camino y se topa en la barra con Ding Dong Denny O'Reilly, que se empeña en contarle la verdadera historia de Irlanda entre pintas de cerveza.

Granny O'Grimm'S Sleeping Beauty
A la abuelita O'Grimm, una anciana aparentemente adorable, se le va la cabeza mientras le cuenta su particular versión de La bella durmiente a su aterrorizada nieta.

The Rooster, The Crocodile And The Night Sky
Un relato de pasión, pérdida, comedia surrealista y violencia explosiva. 

Rodados entre 1952 y 1955, Un tranvía llamado Deseo, ¡Viva Zapata!, La ley del silencio y Al este del Edén son cuatro films que han merecido para su director, Elia Kazan, un puesto de honor en lo que comúnmente se entiende por historia del cine. Kazan, en el mejor momento de su carrera, se sirvió de su perfecto dominio de la narración cinematográfica y de su maestría en la dirección de actores para describir un puñado de personajes inolvidables en pugna con las normas establecidas, con la sociedad que les rodea y, en última instancia, consigo mismos.
Pero fue también en esta época -en 1952, concretamente- cuando el director vivió el conflicto que marcaría su vida. Llamado a declarar ante el Comité de Actividades Antiamericanas, en plena "caza de brujas" instigada por el senador McCarthy, Kazan acabó facilitando al siniestro comité una relación de supuestos comunistas con el fin de lavar su pasada militancia en el propio Partido Comunista. En este sentido, los dos films que realizó inmediatamente después -Fugitivos del terror rojo y La ley del silencio- constituyen una clara consecuencia de sus actos.
Aunque La ley del silencio tenía como punto de partida un guión de Arthur Miller ("The Hook") sobre el ambiente portuario de Nueva York, la actuación de Kazan ante el comité supuso una ruptura definitiva de su estrecha amistad con el dramaturgo (Kazan había dirigido anteriormente en teatro, con gran éxito, "Todos eran mis hijos" y "La muerte de un viajante"). La consecuencia de dicha ruptura fue que el nuevo guión corrió a cargo de Budd Schulberg, a partir de unas crónicas periodísticas de Malcolm Johnson. Puesto que Schulberg había sido otro de los encausados que había cedido a las presiones del comité, fácilmente se puede advertir el cariz autojustificativo de la historia, tanto para el director como para el guionista.
El tema central del film es la denuncia de la corrupción mafiosa de los sindicatos portuarios vista -y vivida- por Terry Malloy, un ex boxeador de escasas luces que poco a poco va tomando conciencia de la situación, especialmente después de la muerte de su hermano, lo que le lleva a enfrentarse a la peligrosa banda de extorsionadores. La actitud de Terry se ve impulsada a partes iguales por el amor de Eddie y los consejos del padre Barry, un sacerdote inspirado en un personaje real. A la atenta descripción de la vida cotidiana de los trabajadores portuarios, sometidos a la explotación de los gángsters, se une el dilema del protagonista entre la lealtad a sus supuestos amigos y el deber moral de denunciar la situación.
La fuerza y la perfección de La ley del silencio se debe a la cohesión de un equipo técnico bien conjuntado, en el que destaca la excelente fotografía en blanco y negro de Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov, Kaufman había trabajado en todos los films de Jean Vigo antes de trasladarse a EEUU) y la banda sonora de Leonard Bernstein. Pero, sin duda alguna, la baza principal de la película reside en la extraordinaria interpretación de Marlon Brando, cuya mezcla de dureza y vulnerabilidad hace que su personaje adquiera una dimensión que difícilmente habría conseguido con otro protagonista (uno de los primeros candidatos había sido Frank Sinatra).
La labor de Brando se halla perfectamente secundada por la delicada sensibilidad de la debutante Eva Marie Saint, cuyo papel de compañera, confidente y protectora, tendría una cierta continuación en el interpretado por Julie Harris en Al este del Edén.
Como es habitual en los films de Kazan de esta época, La ley del silencio combina dos registros aparentemente antagónicos: el realismo y el lirismo, la denuncia social y el drama romántico (no es difícil advertir que las decisiones de Terry están estrechamente condicionadas por su enamoramiento de Eddie). Kazan desarrolla la acción con rigor y concisión, pero también con una fuerte carga emotiva, hasta culminar en la famosa escena final, con Brando levantándose después de haber sido brutalmente apaleado y acercándose tambaleante al almacén -visto a través de la mirada del protagonista- para iniciar una nueva jornada de trabajo. Una secuencia antológica para un film que ya es un verdadero clásico.
Rafel Miret en Dirigido por ...  marzo 2000 .

Crítica:

Death Of A Bullet,
Un hombre está a punto de suicidarse sin tener en cuenta a la bala.

Butterfly,
Un viaje con retorno de la vida a la muerte, un caleidoscopio de colores, sonidos y movimiento que habita en algún lugar entre el arte y el entretenimiento, y que habla con elocuencia y sutileza del ciclo de la vida y la fugacidad del momento. Nada dura eternamente, pero siempre hay esperanza en la belleza, la forma y la armonía.

Cold Pursuit,
Un hambriento oso polar vive una resbaladiza situación intentando conseguir algo que llevarse a la boca.

Barbershop
Un hombre de negocios, un obrero y un anciano van a cortarse el pelo y a afeitarse a una barbería atípica y melodiosa, donde el servicio de los empleados está integrado en un número musical... para desconcierto de los clientes.

Charred & Feathered
Cuando el hombre que siempre acaba el último siente por fin que su suerte ha cambiado, su rival del otro lado del valle hará lo imposible por equilibrar la balanza.

The Last Elk,
El repentino descenso de la población de alces a raíz de la muerte esporádica de miembros de la última manada de la especie. Distintos instrumentos musicales dan vida a cada uno de los alces. A medida que van muriendo, también lo hace la música que los acompaña.

The Depository,
Un escritor cae en un profundo sueño mientras medita ante a su cuaderno de notas. Su imaginación proyecta un inquietante mundo de espíritus voladores encerrados con alas en forma de libro. Una de las criaturas intenta rescatar a su compañero del almacén de un siniestro coleccionista-conservador.

Midnight Dance
Una deslumbrante interpretación de la composición clásica de Saint-Saëns Danza macabra, protagonizada por esqueletos que bailan un vals en un cementerio.

Horn Ok Please
Un día memorable en la vida de un taxista indio cuyo sueño es conducir un coche con aire acondicionado.

Blind Mans Eye
Una historia aparentemente sencilla sobre un viejo invidente que se sienta junto a un río, en su banco favorito, bajo su árbol favorito. El sol brilla y a sus oídos llegan evocadores sonidos. El hombre deja volar su imaginación...

Demon
Encarcelado en el cielo, en una pequeña celda, un demonio deja transcurrir la eternidad. Anhela asomarse a la solitaria ventana, pero su naturaleza no se lo permite. De pronto, un visitante se posa en el alféizar.

The Red Ball
La historia de un niño morado, una pelota verde, una pelota roja, una niña verde, una niña roja y un niño morado. 

An Inside Job.
Un hombre está postrado en el sillón del dentista. Éste se ausenta un momento y un loco entra en la consulta. Mientras le realiza una extraña operación al paciente, cuenta una insólita historia que enlaza elementos de Avaricia, de Von Stroheim, con fantasías de El tesoro de Sierra Madre. La cosa no acaba bien.

Timmy The Ticket,
Realizado por niños de entre 8 y 9 años de Crosshaven, Condado de Cork. Su colegio ganó un concurso nacional de guión.

Skeleton Woman,
Esta película, basada en un cuento tradicional esquimal, narra la historia de una desdichada mujer empujada por su padre al océano desde un acantilado. Con el transcurso de los años, se convierte en un esqueleto que vaga por las aguas que la vieron morir. Un joven y valiente pescador se aventura a adentrarse en la zona y pesca el esqueleto accidentalmente.

Le Carnet De Chloe,
Después de otra pelea con su hermana mayor, Chloé emprende, desde las páginas de su diario, la misión de matar a su familia, destruir su casa y encontrar a su madre desaparecida. Esta película era un proyecto que Merigeau realizó en la universidad, y más tarde sirvió de base para desarrollar su cortometraje Old Fangs (2009).

Badly Drawn Roy
Conozcan a Roy, el único personaje irlandés de animación nacido en el seno de una familia corriente de "acción real". Roy es inteligente, pero por desgracia está mal dibujado. Sus fallidos intentos de encontrar un trabajo estable le llevan finalmente a Hollywood en busca de fama, fortuna y cirugía correctiva.

Penguin Space Programme
Imágenes de archivo de los años sesenta que documentan los primeros intentos de propulsión vertical de los pingüinos en su afán de realizar un vuelo espacial pingüino.

Please Say Something
Una tormentosa relación entre un gato y un ratón en un futuro lejano. 

Phil Linot
Un cortometraje de animación sobre Phil Lynott, líder de la banda Thin Lizzy, para la campaña Music Matters.

The Prisoner,
Una mirada alternativa al poema La isla del lago de Innisfree, de William Butler Yeats.

From An Evil Cradling,
Esta adaptación de un capítulo de la novela de Brian Keenan An Evil Cradling detalla la espiral de la mente hacia la locura y su triunfo final sobre ella. Privado de los derechos humanos más básicos y totalmente incomunicado, las evasiones de su mente se tornaron de una realidad vívida, a pesar de ser consciente de que eran alucinaciones.

The Trial Of Solomon,
Una noche de invierno en el Berlín de 1921, un joven armenio se despierta ante la imagen fantasmagórica de su madre muerta. Ésta le cuenta que el asesino de su familia vive cerca y que es su deber de hijo dar con su paradero y acabar con él. Salomón acaba siendo procesado por seguir las instrucciones de su madre, pero pronto será la propia sociedad la que tenga que sentarse en el banquillo de los acusados...

From Darkness,
Esta película, basada en un cuento tradicional esquimal, relata la historia de un solitario pescador que se introduce en aguas encantadas en busca de comida y encuentra mucho más de lo que imaginaba.

Fifty Percent Grey
El sargento Cray se despierta solo, con su pistola, una televisión de pantalla gigante y mucho tiempo libre. Sus opciones son cada vez más limitadas...

Guys Dog
La historia de un perro, alcohólico y descontento con la vida, que sueña con ser humano y que solicita la ayuda de su compañero lagarto. Sin embargo Guy, el dueño de ambos, no es precisamente un ser humano modelo.

Give Up Yer Auld Sins
En los años sesenta, unos niños de Dublín fueron grabados con un viejo magnetófono dando su interpretación de las historias de la Biblia. Una niña nos brinda su versión de Juan Bautista con gran pasión y disfrutando ostensiblemente con cada palabra de su relato...

The Faery Wind
Cuando Danny empieza a talar árboles en el fuerte de las hadas, el viento de las hadas se lleva su más preciado tesoro: Siún. Ahora, Danny y sus dos hijos deberán hacer todo cuanto esté en su mano por recuperarla.

Cuilin Dualach,
Cúilín Dualach nació con la cabeza al revés y ha tenido una vida muy dura. Rechazado por su padre y objeto de burla de sus vecinos, Cúilín tan sólo encuentra apoyo en su abnegada madre. Hasta que un día descubre que hay algo que puede hacer mejor que nadie.  

Agricultural Report,
Una breve comedia sobre la felicidad de la ignorancia.

Stars
A Sophie le informan de que ha contraído una extraña y mortífera enfermedad neuronal que invade su sistema nervioso central. A medida que su estado empeora, empieza a sufrir alucinaciones sensoriales que hacen que el sonido se manifieste a través de la vista y el sabor a través del tacto...

Se basa en los capítulos finales -la historia cainita de Cal y Aron Trask- del novelón de John Steinbeck, autor del guión de Viva Zapata. Como en ésta, Kazan se mueve entre el documento y la explosión lírica de su plenitud. La indeterminación de los estados de ánimo, los oscuros meandros del sentimiento, la condición movediza de los flujos pasionales, que es uno de los aspectos del comportamiento que mejor domina este dominador de conductas, alcanza aquí una cumbre, precisamente a causa de la condición estilísticamente híbrida del filme.
La elección para el filme únicamente de los -capítulos finales de la vasta novela de Steinbeck -no más de 100 páginas entre casi 700- elección que suprime de un plumazo la parte precisamente más aventurera, exterior y brillante del relato (la tremenda historia del padre de Cal y Aron, el puritano Adam Trask, y de su mujer una prostituta de terrible capacidad agresora), es uno de esos actos de conocimiento de sí mismo que define rotundamente a un cineasta de fustes. El largo desarrollo, en el guión de Paul
Osborne y el propio Kazan de esas cortas 100 páginas es de una enorme intensidad, pues proyecta sobre ellas, en forma de subentendido, los complejos antecedentes de la historia y proporciona así al filme la condición de parte visible de un iceberg, con el consiguiente enriquecimiento de la parte visible de cada personaje con la parte no visible de sus remotos antecedentes, circunstancia que impone al filme una casi insoportable densidad.
Y es en estas densas aguas donde Kazan se mueve con más ligereza. Elia Kazan, que es una cumbre del teatro contemporáneo en Estados Unidos, es dueño absoluto de las leyes de la intensidad y la concentración que emplea en Al este del Edén con insuperable maestría y lo que es  más importante, sin teatralizar en absoluto el filme. ¿Cómo logra
Kazan este pequeño milagro? Mediante el finísimo empleo de su mejor arma: la dirección de actores. El gran investigador de conductas que es Kazan no tiene rival a la hora de contagiar esa su pasión al actor, y así, Al este del Edén es un alarde interpretativo y en este sentido uno de los filmes más brillantes de las últimas décadas.
Ángel Fernández Santos en El País (12 mayo 1984)

Sinopsis, fotos y comentario:

The Prisoner,
Una mirada alternativa al poema La isla del lago de Innisfree, de William Butler Yeats.

From An Evil Cradling,
Esta adaptación de un capítulo de la novela de Brian Keenan An Evil Cradling detalla la espiral de la mente hacia la locura y su triunfo final sobre ella. Privado de los derechos humanos más básicos y totalmente incomunicado, las evasiones de su mente se tornaron de una realidad vívida, a pesar de ser consciente de que eran alucinaciones.

The Trial Of Solomon,
Una noche de invierno en el Berlín de 1921, un joven armenio se despierta ante la imagen fantasmagórica de su madre muerta. Ésta le cuenta que el asesino de su familia vive cerca y que es su deber de hijo dar con su paradero y acabar con él. Salomón acaba siendo procesado por seguir las instrucciones de su madre, pero pronto será la propia sociedad la que tenga que sentarse en el banquillo de los acusados...

From Darkness,
Esta película, basada en un cuento tradicional esquimal, relata la historia de un solitario pescador que se introduce en aguas encantadas en busca de comida y encuentra mucho más de lo que imaginaba.

Fifty Percent Grey
El sargento Cray se despierta solo, con su pistola, una televisión de pantalla gigante y mucho tiempo libre. Sus opciones son cada vez más limitadas...

Guys Dog
La historia de un perro, alcohólico y descontento con la vida, que sueña con ser humano y que solicita la ayuda de su compañero lagarto. Sin embargo Guy, el dueño de ambos, no es precisamente un ser humano modelo.

Give Up Yer Auld Sins
En los años sesenta, unos niños de Dublín fueron grabados con un viejo magnetófono dando su interpretación de las historias de la Biblia. Una niña nos brinda su versión de Juan Bautista con gran pasión y disfrutando ostensiblemente con cada palabra de su relato...

The Faery Wind
Cuando Danny empieza a talar árboles en el fuerte de las hadas, el viento de las hadas se lleva su más preciado tesoro: Siún. Ahora, Danny y sus dos hijos deberán hacer todo cuanto esté en su mano por recuperarla.

Cuilin Dualach,
Cúilín Dualach nació con la cabeza al revés y ha tenido una vida muy dura. Rechazado por su padre y objeto de burla de sus vecinos, Cúilín tan sólo encuentra apoyo en su abnegada madre. Hasta que un día descubre que hay algo que puede hacer mejor que nadie.  

Agricultural Report,
Una breve comedia sobre la felicidad de la ignorancia.

Stars
A Sophie le informan de que ha contraído una extraña y mortífera enfermedad neuronal que invade su sistema nervioso central. A medida que su estado empeora, empieza a sufrir alucinaciones sensoriales que hacen que el sonido se manifieste a través de la vista y el sabor a través del tacto...

Se basa en los capítulos finales -la historia cainita de Cal y Aron Trask- del novelón de John Steinbeck, autor del guión de Viva Zapata. Como en ésta, Kazan se mueve entre el documento y la explosión lírica de su plenitud. La indeterminación de los estados de ánimo, los oscuros meandros del sentimiento, la condición movediza de los flujos pasionales, que es uno de los aspectos del comportamiento que mejor domina este dominador de conductas, alcanza aquí una cumbre, precisamente a causa de la condición estilísticamente híbrida del filme.
La elección para el filme únicamente de los -capítulos finales de la vasta novela de Steinbeck -no más de 100 páginas entre casi 700- elección que suprime de un plumazo la parte precisamente más aventurera, exterior y brillante del relato (la tremenda historia del padre de Cal y Aron, el puritano Adam Trask, y de su mujer una prostituta de terrible capacidad agresora), es uno de esos actos de conocimiento de sí mismo que define rotundamente a un cineasta de fustes. El largo desarrollo, en el guión de Paul
Osborne y el propio Kazan de esas cortas 100 páginas es de una enorme intensidad, pues proyecta sobre ellas, en forma de subentendido, los complejos antecedentes de la historia y proporciona así al filme la condición de parte visible de un iceberg, con el consiguiente enriquecimiento de la parte visible de cada personaje con la parte no visible de sus remotos antecedentes, circunstancia que impone al filme una casi insoportable densidad.
Y es en estas densas aguas donde Kazan se mueve con más ligereza. Elia Kazan, que es una cumbre del teatro contemporáneo en Estados Unidos, es dueño absoluto de las leyes de la intensidad y la concentración que emplea en Al este del Edén con insuperable maestría y lo que es  más importante, sin teatralizar en absoluto el filme. ¿Cómo logra
Kazan este pequeño milagro? Mediante el finísimo empleo de su mejor arma: la dirección de actores. El gran investigador de conductas que es Kazan no tiene rival a la hora de contagiar esa su pasión al actor, y así, Al este del Edén es un alarde interpretativo y en este sentido uno de los filmes más brillantes de las últimas décadas.
Ángel Fernández Santos en El País (12 mayo 1984)

Sinopsis, fotos y comentario:

An Inside Job.
Un hombre está postrado en el sillón del dentista. Éste se ausenta un momento y un loco entra en la consulta. Mientras le realiza una extraña operación al paciente, cuenta una insólita historia que enlaza elementos de Avaricia, de Von Stroheim, con fantasías de El tesoro de Sierra Madre. La cosa no acaba bien.

Timmy The Ticket,
Realizado por niños de entre 8 y 9 años de Crosshaven, Condado de Cork. Su colegio ganó un concurso nacional de guión.

Skeleton Woman,
Esta película, basada en un cuento tradicional esquimal, narra la historia de una desdichada mujer empujada por su padre al océano desde un acantilado. Con el transcurso de los años, se convierte en un esqueleto que vaga por las aguas que la vieron morir. Un joven y valiente pescador se aventura a adentrarse en la zona y pesca el esqueleto accidentalmente.

Le Carnet De Chloe,
Después de otra pelea con su hermana mayor, Chloé emprende, desde las páginas de su diario, la misión de matar a su familia, destruir su casa y encontrar a su madre desaparecida. Esta película era un proyecto que Merigeau realizó en la universidad, y más tarde sirvió de base para desarrollar su cortometraje Old Fangs (2009).

Badly Drawn Roy
Conozcan a Roy, el único personaje irlandés de animación nacido en el seno de una familia corriente de "acción real". Roy es inteligente, pero por desgracia está mal dibujado. Sus fallidos intentos de encontrar un trabajo estable le llevan finalmente a Hollywood en busca de fama, fortuna y cirugía correctiva.

Penguin Space Programme
Imágenes de archivo de los años sesenta que documentan los primeros intentos de propulsión vertical de los pingüinos en su afán de realizar un vuelo espacial pingüino.

Please Say Something
Una tormentosa relación entre un gato y un ratón en un futuro lejano. 

Phil Linot
Un cortometraje de animación sobre Phil Lynott, líder de la banda Thin Lizzy, para la campaña Music Matters.

Con Wild River / Rio salvaje, 1960), Elia Kazan se acerca por última vez a las cuestiones sociales de los Estados Unidos con una perspectiva similar a la definida por la tradición genérica de los films de problemas sociales. No obstante, tomando como punto de partida ese marco genérico, Wild River destaca por el nuevo enfoque con que Kazan se acerca ahora a esas cuestiones sociales. En este relato, Kazan toma como punto de partida un enfrentamiento sin apenas relevancia macrosocial -la expulsión de una anciana de su isla, expropiada para la construcción de un pantano-, para realizar un análisis del choque entre dos concepciones vitales, polarizadas por la distinción geográfica entre el Norte y el Sur de Estados Unidos.
Esa oposición constituye propiamente el eje de Wild River, cuyo argumento nos traslada de nuevo al entorno sureño que ya habíamos observado en Baby Doll, pero con un mayor énfasis ahora en el estudio de los rasgos sociales característicos de esa región. Así, el relato va dejando cada vez más claro que lo que realmente se encuentra en juego no es la propiedad de la isla, sino toda una concepción de la vida y de la sociedad, como señala Changas: «Wild River recoge una contradicción básica en los valores americanos, que la Depresión de los años treinta vino a acentuar: la incompatibilidad entre la creencia nacional en el individualismo y las realidades del progreso social».
El conflicto entre una concepción individualista y otra más solidaria presente en Wild River está también connotado por el choque entre los valores de la tradición y los del progreso, encarnados por los dos personajes protagonistas en un equilibrio muy acabado, que captó la atención de los críticos.
Michael Walker considera ese conflicto entre individualismo tenaz y progreso social como uno de los asuntos más recurrentes en la cultura estadounidense, tratado con maestría en el ámbito cinematográfico por John Ford y su civilización de la frontera. Sin embargo, para Walker, así como en Ford los valores de los pioneros pertenecían a un pasado irrecuperable, en Wild River los argumentos contra el progreso resuenan con plena actualidad, en el contexto de un ecologismo ascendente, que convierte en completamente contemporánea la actitud de la anciana Ella Garth, «retando todo el sistema de valores que respalda la invasión de lo tecnológico en nuestras vidas».
Kazan refuerza ese enfrentamiento entre tradición y progreso a través de un giro en el planteamiento del conflicto, que altera las habituales relaciones de los films de problemas sociales. No se trata ahora de contar cómo el problema que pesa sobre el protagonista es solucionado gracias a la ayuda de los agentes sociales o institucionales, más o menos arropado por la presencia de la persona amada. En Wild River, la anciana Ella Garth no siente necesidad alguna de que le solucionen ningún problema que de hecho existe, por lo que el problema se vuelve hacia Chuck Glover, el agente federal, que tiene que ingeniárselas para intentar desalojar a la anciana sin recurrir a la fuerza, para evitar la publicidad negativa de los medios de comunicación. Este giro es reforzado además por la ruptura de las expectativas que hubiera generado una historia similar: la identificación inicial del espectador con la postura del New Dealer acaba girando progresivamente hacia la figura de la anciana Garth, en un difícil equilibrio donde contemplamos como ambos tienen sus propias y validas razones.
Lejos quedan ahora los planteamientos más estereotipados que caracterizaron en buena medida las películas de problemas sociales que Elia Kazan había dirigido en años anteriores. El mismo Kazan se refiere indirectamente a esta evolución cuando explica el cambio de planteamientos sobre los personajes principales:
«Hacía años había concebido este film como un homenaje al espíritu de F. D. Roosevelt; mi héroe iba a ser un New Dealer convencido, embarcado en la difícil tarea de convencer a la «reaccionaria» gente del campo de que era necesario, en nombre del bien común, que abandonaran sus tierras y se instalaran en otra parte. Ahora me di cuenta de que mis simpatías se encontraban del lado de la tozuda anciana (...). Algo más allá de mis fibras liberales estaba funcionando, algo quizá más verdadero, y ciertamente más fuerte. (...) Quizás estaba comenzado a sentir de un modo humano y no a pensar con claves ideológicas»
EFRÉN CUEVAS en La sociedad estadounidense bajo la mirada de Elia Kazan

Artículo:

Por un lado, el desierto, que se come poco a poco la tierra; la falta de agua; la sequía interminable. Por el otro, la guerra amenazante. En la aldea el pozo se ha secado y el ganado se está muriendo. La mayoría de los habitantes parte instintivamente hacia el Sur mientras que Rahne, el único del pueblo que sabe leer y escribir, decide ir con su esposa y sus tres hijos hacia el Este. Por toda riqueza llevarán unas cuantas ovejas, cabras y Chamelle, su dromedario. Rahne y los suyos atraviesan territorios hostiles bajo un sol devastador en una caminata sin fin que a menudo cruza la muerte. Si el viento sopla la arena es una historia de éxodo, de búsqueda, de esperanza y fatalidad que nos arrastra como una alegoría de la eternidad y de determinación tras los pasos de Shasha, la niña nómada que conquistará gracias a su tenacidad, su alegría y sus ganas de vivir el corazón de su padre.

Ficha, fotos, trailer:

Un poco por casualidad, Mathieu, desempleado de larga duración se topa con Marc, gerente de una sociedad de accesorios de seguridad. Nada los acerca pero Mathieu insiste en relacionarse. Descubre que Marc también tiene sus pequeños problemas, su sociedad no funciona muy bien y está en instancias de divorcio. Mathieu, por su lado, se ve obligado a encontrar rápidamente un nuevo empleo. Ambos deciden viajar al Sur, pero el vehículo se accidenta. La fuga abortada se convierte en un desastre y empiezan a caer las máscaras y se manifiestan las diferencias de carácter: Marc y Mathieu de verdad no estaban hechos para encontrarse.

Trailer y fotos:

Un poco por casualidad, Mathieu, desempleado de larga duración se topa con Marc, gerente de una sociedad de accesorios de seguridad. Nada los acerca pero Mathieu insiste en relacionarse. Descubre que Marc también tiene sus pequeños problemas, su sociedad no funciona muy bien y está en instancias de divorcio. Mathieu, por su lado, se ve obligado a encontrar rápidamente un nuevo empleo. Ambos deciden viajar al Sur, pero el vehículo se accidenta. La fuga abortada se convierte en un desastre y empiezan a caer las máscaras y se manifiestan las diferencias de carácter: Marc y Mathieu de verdad no estaban hechos para encontrarse.

Trailer y fotos:

Con Wild River / Rio salvaje, 1960), Elia Kazan se acerca por última vez a las cuestiones sociales de los Estados Unidos con una perspectiva similar a la definida por la tradición genérica de los films de problemas sociales. No obstante, tomando como punto de partida ese marco genérico, Wild River destaca por el nuevo enfoque con que Kazan se acerca ahora a esas cuestiones sociales. En este relato, Kazan toma como punto de partida un enfrentamiento sin apenas relevancia macrosocial -la expulsión de una anciana de su isla, expropiada para la construcción de un pantano-, para realizar un análisis del choque entre dos concepciones vitales, polarizadas por la distinción geográfica entre el Norte y el Sur de Estados Unidos.
Esa oposición constituye propiamente el eje de Wild River, cuyo argumento nos traslada de nuevo al entorno sureño que ya habíamos observado en Baby Doll, pero con un mayor énfasis ahora en el estudio de los rasgos sociales característicos de esa región. Así, el relato va dejando cada vez más claro que lo que realmente se encuentra en juego no es la propiedad de la isla, sino toda una concepción de la vida y de la sociedad, como señala Changas: «Wild River recoge una contradicción básica en los valores americanos, que la Depresión de los años treinta vino a acentuar: la incompatibilidad entre la creencia nacional en el individualismo y las realidades del progreso social».
El conflicto entre una concepción individualista y otra más solidaria presente en Wild River está también connotado por el choque entre los valores de la tradición y los del progreso, encarnados por los dos personajes protagonistas en un equilibrio muy acabado, que captó la atención de los críticos.
Michael Walker considera ese conflicto entre individualismo tenaz y progreso social como uno de los asuntos más recurrentes en la cultura estadounidense, tratado con maestría en el ámbito cinematográfico por John Ford y su civilización de la frontera. Sin embargo, para Walker, así como en Ford los valores de los pioneros pertenecían a un pasado irrecuperable, en Wild River los argumentos contra el progreso resuenan con plena actualidad, en el contexto de un ecologismo ascendente, que convierte en completamente contemporánea la actitud de la anciana Ella Garth, «retando todo el sistema de valores que respalda la invasión de lo tecnológico en nuestras vidas».
Kazan refuerza ese enfrentamiento entre tradición y progreso a través de un giro en el planteamiento del conflicto, que altera las habituales relaciones de los films de problemas sociales. No se trata ahora de contar cómo el problema que pesa sobre el protagonista es solucionado gracias a la ayuda de los agentes sociales o institucionales, más o menos arropado por la presencia de la persona amada. En Wild River, la anciana Ella Garth no siente necesidad alguna de que le solucionen ningún problema que de hecho existe, por lo que el problema se vuelve hacia Chuck Glover, el agente federal, que tiene que ingeniárselas para intentar desalojar a la anciana sin recurrir a la fuerza, para evitar la publicidad negativa de los medios de comunicación. Este giro es reforzado además por la ruptura de las expectativas que hubiera generado una historia similar: la identificación inicial del espectador con la postura del New Dealer acaba girando progresivamente hacia la figura de la anciana Garth, en un difícil equilibrio donde contemplamos como ambos tienen sus propias y validas razones.
Lejos quedan ahora los planteamientos más estereotipados que caracterizaron en buena medida las películas de problemas sociales que Elia Kazan había dirigido en años anteriores. El mismo Kazan se refiere indirectamente a esta evolución cuando explica el cambio de planteamientos sobre los personajes principales:
«Hacía años había concebido este film como un homenaje al espíritu de F. D. Roosevelt; mi héroe iba a ser un New Dealer convencido, embarcado en la difícil tarea de convencer a la «reaccionaria» gente del campo de que era necesario, en nombre del bien común, que abandonaran sus tierras y se instalaran en otra parte. Ahora me di cuenta de que mis simpatías se encontraban del lado de la tozuda anciana (...). Algo más allá de mis fibras liberales estaba funcionando, algo quizá más verdadero, y ciertamente más fuerte. (...) Quizás estaba comenzado a sentir de un modo humano y no a pensar con claves ideológicas»
EFRÉN CUEVAS en La sociedad estadounidense bajo la mirada de Elia Kazan

Artículo:

Por un lado, el desierto, que se come poco a poco la tierra; la falta de agua; la sequía interminable. Por el otro, la guerra amenazante. En la aldea el pozo se ha secado y el ganado se está muriendo. La mayoría de los habitantes parte instintivamente hacia el Sur mientras que Rahne, el único del pueblo que sabe leer y escribir, decide ir con su esposa y sus tres hijos hacia el Este. Por toda riqueza llevarán unas cuantas ovejas, cabras y Chamelle, su dromedario. Rahne y los suyos atraviesan territorios hostiles bajo un sol devastador en una caminata sin fin que a menudo cruza la muerte. Si el viento sopla la arena es una historia de éxodo, de búsqueda, de esperanza y fatalidad que nos arrastra como una alegoría de la eternidad y de determinación tras los pasos de Shasha, la niña nómada que conquistará gracias a su tenacidad, su alegría y sus ganas de vivir el corazón de su padre.

Ficha, fotos, trailer:

Fiona y Dom son maestros en una escuela rural. Comparten su pasión por el baile latino y están muy enamorados.
Los fines de semana, participan de concursos de baile por todo el país. Su casa está llena de trofeos.
Una noche, volviendo de una competición, se encuentran con un hombre que quería suicidarse y se había parado para tal fin en el medio de la carretera. En su afán por no atropellarlo, impactan contra un muro cercano y su vida da un giro inesperado.
Lejos de ser un drama, Rumba, tiene una visión muy optimista que ha caracterizado a este trío de directores desde su debut en Iceberg.
Manteniendo grandes y cómicos silencios, Abel, Gordon y Romy crean un mundo estilizado y colorido, casi de una inocencia poética, para esta historia de amor con flashes de comedia musical.

Web oficial:

Esta es una película que obliga a tomar partido, que no se anda con sutilezas para atraerse adhesiones. Pero también un relato sutil y en voz baja, tan delicado y melancólico como el poema de William Wordsworth que le da titulo. (...)
Esplendor en la hierba  es una narración sobre las edades de la vida, sobre padres e hijos y sobre las complicadas relaciones que se establecen entre ellos.(...) La habilidad de Kazan reside en introducirlos en una película esquemática y sin matices que, poco a poco, y en parte gracias a ellos, se convierte en una oda a la hermosa arbitrariedad de la vida, un gesto muy propio de su cine escéptico y vitalista.
Si Rio Salvaje fluye mansamente como la corriente del título en los días tranquilos, Esplendor en la hierba es tan violenta y exaltada como las cataratas en las que Beatty y Wood se besan apasionadamente en la escena inicial, las mismas en la que más tarde, ella intentará suicidarse. En la parte final, por el contrario, el sol brilla, Wood luce un luminoso vestido blanco y Beatty parece llevar una vida tranquila en su granja. Los protagonistas han madurado, pero han perdido la enérgica savia de la juventud. Y los padres se revelan tan patéticos como antes despreciables.
El crack bursátil de 1929, simboliza el estallido final de todas las pasiones, el momento en el que las aguas se remansan tras la agitada tormenta de la primera parte. La epopeya histórica, que ha trasladado sus arquetipos también a los personajes, se transforma en la crónica de una desintegración: de unos personajes, de un modo de vida, de una clase social, de un país entero. La mascarada ha acabado en tragedia.
En la última escena la más recordada y según muchos la mejor de la filmografía de Kazan, Wood, recién salida del hospital psiquiátrico, decide visitar a Beaty con unas amigas, un trance por el que debe pasar si quiere liquidar de una vez por todas su pasado. Pero el joven apuesto del principio es ahora un sucio granjero casado con una italiana, lo cual ratifica que el sueño americano se ha desmoronado incluso en su idea racial. Del mismo modo las bulliciosas conversaciones entre los dos enamorados se precipitan hacia el lugar común, hasta que afloran las aguas torrenciales del pasado, mitigadas ahora por el paso de tiempo: Nunca te olvidaré, dicen ambos casi al mismo tiempo. En la casa, la esposa de Beatty cocina, embarazada de su segundo hijo, y un niño muy pequeño esta sentado en el suelo, ignorado por todos. Wood se acerca a él y lo coge en sus brazos, una imagen que revela de súbito lo que hubiera podido ser su vida junto a Beatty, para bien o mal. Wood sonríe y se va. La muchacha italiana también sonríe y besa tímidamente a su marido, como si comprendiera su papel secundario en esa historia. La intensidad de esos momentos, la emoción que destilan, las complejas relaciones que sugieren, dejan bien claro que, al contrario de lo que parecía en un principio, en esta historia no hay ni buenos ni malos, ni héroes ni traidores. Y entonces la novela rosa, el panfleto social, dejan ver al desnudo la verdad oculta entre bastidores. Carlos Losilla, Dirigido por nº 329.

Cartel, sinopsis, crítica:

El trayecto de un realizador belga que debe pegar él mismo los afiches de su filme, o sermonear a la gente para atraer a los espectadores. Pero su filme es un fracaso, se encuentra desempleado y su compañera lo deja. Para resistir a ese marasmo, su amigo y actor lo arrastra en la aventura de un nuevo filme, ya que es necesario reponerse y girar contra viento y marea. De aventuras en desaventuras, el filme tierno, divertido, vivaz, relata ese duro recorrido.

Artículo:

El trayecto de un realizador belga que debe pegar él mismo los afiches de su filme, o sermonear a la gente para atraer a los espectadores. Pero su filme es un fracaso, se encuentra desempleado y su compañera lo deja. Para resistir a ese marasmo, su amigo y actor lo arrastra en la aventura de un nuevo filme, ya que es necesario reponerse y girar contra viento y marea. De aventuras en desaventuras, el filme tierno, divertido, vivaz, relata ese duro recorrido.

Artículo:

Fiona y Dom son maestros en una escuela rural. Comparten su pasión por el baile latino y están muy enamorados.
Los fines de semana, participan de concursos de baile por todo el país. Su casa está llena de trofeos.
Una noche, volviendo de una competición, se encuentran con un hombre que quería suicidarse y se había parado para tal fin en el medio de la carretera. En su afán por no atropellarlo, impactan contra un muro cercano y su vida da un giro inesperado.
Lejos de ser un drama, Rumba, tiene una visión muy optimista que ha caracterizado a este trío de directores desde su debut en Iceberg.
Manteniendo grandes y cómicos silencios, Abel, Gordon y Romy crean un mundo estilizado y colorido, casi de una inocencia poética, para esta historia de amor con flashes de comedia musical.

Web oficial:

Esta es una película que obliga a tomar partido, que no se anda con sutilezas para atraerse adhesiones. Pero también un relato sutil y en voz baja, tan delicado y melancólico como el poema de William Wordsworth que le da titulo. (...)
Esplendor en la hierba  es una narración sobre las edades de la vida, sobre padres e hijos y sobre las complicadas relaciones que se establecen entre ellos.(...) La habilidad de Kazan reside en introducirlos en una película esquemática y sin matices que, poco a poco, y en parte gracias a ellos, se convierte en una oda a la hermosa arbitrariedad de la vida, un gesto muy propio de su cine escéptico y vitalista.
Si Rio Salvaje fluye mansamente como la corriente del título en los días tranquilos, Esplendor en la hierba es tan violenta y exaltada como las cataratas en las que Beatty y Wood se besan apasionadamente en la escena inicial, las mismas en la que más tarde, ella intentará suicidarse. En la parte final, por el contrario, el sol brilla, Wood luce un luminoso vestido blanco y Beatty parece llevar una vida tranquila en su granja. Los protagonistas han madurado, pero han perdido la enérgica savia de la juventud. Y los padres se revelan tan patéticos como antes despreciables.
El crack bursátil de 1929, simboliza el estallido final de todas las pasiones, el momento en el que las aguas se remansan tras la agitada tormenta de la primera parte. La epopeya histórica, que ha trasladado sus arquetipos también a los personajes, se transforma en la crónica de una desintegración: de unos personajes, de un modo de vida, de una clase social, de un país entero. La mascarada ha acabado en tragedia.
En la última escena la más recordada y según muchos la mejor de la filmografía de Kazan, Wood, recién salida del hospital psiquiátrico, decide visitar a Beaty con unas amigas, un trance por el que debe pasar si quiere liquidar de una vez por todas su pasado. Pero el joven apuesto del principio es ahora un sucio granjero casado con una italiana, lo cual ratifica que el sueño americano se ha desmoronado incluso en su idea racial. Del mismo modo las bulliciosas conversaciones entre los dos enamorados se precipitan hacia el lugar común, hasta que afloran las aguas torrenciales del pasado, mitigadas ahora por el paso de tiempo: Nunca te olvidaré, dicen ambos casi al mismo tiempo. En la casa, la esposa de Beatty cocina, embarazada de su segundo hijo, y un niño muy pequeño esta sentado en el suelo, ignorado por todos. Wood se acerca a él y lo coge en sus brazos, una imagen que revela de súbito lo que hubiera podido ser su vida junto a Beatty, para bien o mal. Wood sonríe y se va. La muchacha italiana también sonríe y besa tímidamente a su marido, como si comprendiera su papel secundario en esa historia. La intensidad de esos momentos, la emoción que destilan, las complejas relaciones que sugieren, dejan bien claro que, al contrario de lo que parecía en un principio, en esta historia no hay ni buenos ni malos, ni héroes ni traidores. Y entonces la novela rosa, el panfleto social, dejan ver al desnudo la verdad oculta entre bastidores. Carlos Losilla, Dirigido por nº 329.

Cartel, sinopsis, crítica:

En 1896 el joven Stavros Topousoglou (Stathis Giallelis), perteneciente a la minoría griega que vive en Anatolia bajo el cada vez mayor poder de los turcos, se enfrenta a su padre y se va a vivir a Constantinopla para tratar de ahorrar el dinero que le permita emigrar a América, lo que finalmente logra tras vencer múltiples dificultades con anarquistas, prostitutas y novias ricas. Realizada con gran fuerza y realismo, lo que Elia Kazan narra al contar el viaje del joven Stavros, es la historia de su tío, de su familia, su propia vida, y sabe hacerlo con la verdad que requieren las autobiografías. Después de una etapa de aprendizaje, el famoso director de teatro y cine Elia Kazan pasa a convertirse en su propio productor y con esta película consigue el control total al ser también el guionista. A pesar de la gran calidad de su trabajo, la excelente fotografía de Haskell Wexler y la buena crítica que la película tiene en Europa, la falta de actores conocidos, estar rodada en blanco y negro y sus tres horas de duración, la convierten en un fracaso comercial, del que Kazan no logra recuperarse.
Augusto Martínez Torres en Cine mundial de la A a la Z (Espasa. Madrid 2006)

Crítica:

Luisa, una vieja gloria del mundo de la música, que fracasó en su intento de ser violinista, ve cómo su malcriada nieta Clara, con gran talento para la música, desaprovecha sus oportunidades para estudiar música. Para motivarla, Luisa decide volver a estudiar violín después de muchos años, con el mismo profesor que su nieta, Dimitri, un ruso severo al que Luisa cambiará su visión de la vida.
Pronto se establece una competición entre abuela y nieta, y Dimitri tendrá que tomar partido por una de las dos.
Las situaciones se irán encadenando hasta desembocar en un intenso desenlace.
Da Capo significa "desde el comienzo" en italiano, el lenguaje de la música clásica.
Da Capo cuenta, en pocos minutos, muchas historias.
Es la historia de Luisa, una mujer que a pesar de sus esfuerzos, no llegó a triunfar como violinista, pero siente una gran pasión por la música. De la mano de Luisa, Clara y su madre Ana, en el corto se muestran tres generaciones distintas, tres mujeres con distintas formas de ver las cosas. Luisa nos muestra la vejez, los sueños frustrados, y aún así la fuerza para seguir luchando, no por ella sino por su nieta, en la que ve un reflejo de ella misma. Esa pasión por la vida, la música y su nieta acabará contagiando a Dimitri y Clara. Con Clara revivimos la adolescencia y el miedo a madurar, la rebeldía, la desatención de los padres...
Con Dimitri, veremos el dolor del que abandona su hogar en busca de una vida mejor, así como la disciplina de los maestros rusos. Da Capo trata sobre las segundas oportunidades, sobre el amor que puede sentir una abuela por su nieta, y la lucha por los sueños hasta el último segundo de vida.
Sobre todo, Luisa impulsa al espectador a no rendirse nunca:
Siempre se puede volver a empezar desde el principio, Da Capo.

Katanga business es el título de un reportaje (Thierry  Michel, 2009) en el que se presentan los desafíos actuales de Katanga, la provincia sud-oriental de la República Democrática del Congo. Con 9 millones, su extensión es mayor que toda España y tiene una riqueza minera excepcional. El actor principal de Katanga business es la empresa Gécamines, que detentó el monopolio minero hasta el 2002.
Heredera desde 1965 de la empresa colonial UMHK, la Gécamines lo hacía todo por la población: dar empleo, gestionar hospitales y escuelas, asfaltar carreteras, generar electricidad, construir casas... Decían de ella: "Gécamines es mi papá, es mi mamá". Pero se fue descapitalizando y arruinando con la mala gestión de Mobutu. Tras las guerras de 1996-2002, la empresa estaba exhausta. Y llegaron las empresas extranjeras: en el reportaje desfilan empresarios belgas, franceses, indios, chinos o
norteamericanos. También aparecen los artesanos mineros, que trabajan al margen de la ley. Y destaca el gobernador provincial Moïse Katumbi, que intenta mediar entre las empresas y una población desheredada y huérfana.
"En la primera mitad del mes de junio he entrado en Katanga Business: he viajado a la región para visitar minas, entrevistar a directivos, conocer a los artesanos mineros y recabar la opinión de funcionarios y de ONG. Pretendía descubrir cómo comprenden los diversos actores el papel de las empresas mineras. He constatado el rechazo a las
empresas extranjeras por la población local y ciertas prácticas empresariales que justifican ese rechazo. Este lleva a algunos trabajadores, funcionarios u ONG a examinar con ojos predadores la acción empresarial y redactar informes más o menos
comprometedores para chantajear a los directivos. Pero he sido igualmente testigo esperanzado de inteligentes esfuerzos por parte de ciertas empresas (¡también chinas!) por ajustarse a la ley y desplegar su potencial económico, social y ecológico a favor
del desarrollo. Y me he encontrado con ONG y funcionarios dispuestos al diálogo con las empresas para hallar soluciones conjuntas. Un diálogo que sustituya las relaciones paternalistas de la Gécamines por relaciones legales, igualitarias y responsables entre todos los actores de otra película, aún en rodaje, que es la historia real de Kananga".
LA VANGUARDIA, Barcelona. (7 de julio de 2010.)

Web oficial:

Katanga business es el título de un reportaje (Thierry  Michel, 2009) en el que se presentan los desafíos actuales de Katanga, la provincia sud-oriental de la República Democrática del Congo. Con 9 millones, su extensión es mayor que toda España y tiene una riqueza minera excepcional. El actor principal de Katanga business es la empresa Gécamines, que detentó el monopolio minero hasta el 2002.
Heredera desde 1965 de la empresa colonial UMHK, la Gécamines lo hacía todo por la población: dar empleo, gestionar hospitales y escuelas, asfaltar carreteras, generar electricidad, construir casas... Decían de ella: "Gécamines es mi papá, es mi mamá". Pero se fue descapitalizando y arruinando con la mala gestión de Mobutu. Tras las guerras de 1996-2002, la empresa estaba exhausta. Y llegaron las empresas extranjeras: en el reportaje desfilan empresarios belgas, franceses, indios, chinos o
norteamericanos. También aparecen los artesanos mineros, que trabajan al margen de la ley. Y destaca el gobernador provincial Moïse Katumbi, que intenta mediar entre las empresas y una población desheredada y huérfana.
"En la primera mitad del mes de junio he entrado en Katanga Business: he viajado a la región para visitar minas, entrevistar a directivos, conocer a los artesanos mineros y recabar la opinión de funcionarios y de ONG. Pretendía descubrir cómo comprenden los diversos actores el papel de las empresas mineras. He constatado el rechazo a las
empresas extranjeras por la población local y ciertas prácticas empresariales que justifican ese rechazo. Este lleva a algunos trabajadores, funcionarios u ONG a examinar con ojos predadores la acción empresarial y redactar informes más o menos
comprometedores para chantajear a los directivos. Pero he sido igualmente testigo esperanzado de inteligentes esfuerzos por parte de ciertas empresas (¡también chinas!) por ajustarse a la ley y desplegar su potencial económico, social y ecológico a favor
del desarrollo. Y me he encontrado con ONG y funcionarios dispuestos al diálogo con las empresas para hallar soluciones conjuntas. Un diálogo que sustituya las relaciones paternalistas de la Gécamines por relaciones legales, igualitarias y responsables entre todos los actores de otra película, aún en rodaje, que es la historia real de Kananga".
LA VANGUARDIA, Barcelona. (7 de julio de 2010.)

Web oficial:

Luisa, una vieja gloria del mundo de la música, que fracasó en su intento de ser violinista, ve cómo su malcriada nieta Clara, con gran talento para la música, desaprovecha sus oportunidades para estudiar música. Para motivarla, Luisa decide volver a estudiar violín después de muchos años, con el mismo profesor que su nieta, Dimitri, un ruso severo al que Luisa cambiará su visión de la vida.
Pronto se establece una competición entre abuela y nieta, y Dimitri tendrá que tomar partido por una de las dos.
Las situaciones se irán encadenando hasta desembocar en un intenso desenlace.
Da Capo significa "desde el comienzo" en italiano, el lenguaje de la música clásica.
Da Capo cuenta, en pocos minutos, muchas historias.
Es la historia de Luisa, una mujer que a pesar de sus esfuerzos, no llegó a triunfar como violinista, pero siente una gran pasión por la música. De la mano de Luisa, Clara y su madre Ana, en el corto se muestran tres generaciones distintas, tres mujeres con distintas formas de ver las cosas. Luisa nos muestra la vejez, los sueños frustrados, y aún así la fuerza para seguir luchando, no por ella sino por su nieta, en la que ve un reflejo de ella misma. Esa pasión por la vida, la música y su nieta acabará contagiando a Dimitri y Clara. Con Clara revivimos la adolescencia y el miedo a madurar, la rebeldía, la desatención de los padres...
Con Dimitri, veremos el dolor del que abandona su hogar en busca de una vida mejor, así como la disciplina de los maestros rusos. Da Capo trata sobre las segundas oportunidades, sobre el amor que puede sentir una abuela por su nieta, y la lucha por los sueños hasta el último segundo de vida.
Sobre todo, Luisa impulsa al espectador a no rendirse nunca:
Siempre se puede volver a empezar desde el principio, Da Capo.

En 1896 el joven Stavros Topousoglou (Stathis Giallelis), perteneciente a la minoría griega que vive en Anatolia bajo el cada vez mayor poder de los turcos, se enfrenta a su padre y se va a vivir a Constantinopla para tratar de ahorrar el dinero que le permita emigrar a América, lo que finalmente logra tras vencer múltiples dificultades con anarquistas, prostitutas y novias ricas. Realizada con gran fuerza y realismo, lo que Elia Kazan narra al contar el viaje del joven Stavros, es la historia de su tío, de su familia, su propia vida, y sabe hacerlo con la verdad que requieren las autobiografías. Después de una etapa de aprendizaje, el famoso director de teatro y cine Elia Kazan pasa a convertirse en su propio productor y con esta película consigue el control total al ser también el guionista. A pesar de la gran calidad de su trabajo, la excelente fotografía de Haskell Wexler y la buena crítica que la película tiene en Europa, la falta de actores conocidos, estar rodada en blanco y negro y sus tres horas de duración, la convierten en un fracaso comercial, del que Kazan no logra recuperarse.
Augusto Martínez Torres en Cine mundial de la A a la Z (Espasa. Madrid 2006)

Crítica:

Pauline (Dora van der Groen), una cándida "niña" de 66 años con una evidente incapacidad mental pero un gran corazón. Su vida al lado de su hermana Martha (Julienne de Bruyn) en un chalet belga cambia radicalmente al morir ésta.
Debrauwer logra un conmovedor filme que confronta la dura realidad con la necesidad natural de Pauline de sentirse amada por su familia.
El resultado final es un sorprendente ejercicio fílmico que aboga por las sutiles maravillas que la gente con discapacidad intelectual está siempre dispuesta a compartir.

Web oficial:

Meisje (una joven)   es una historia sobre tres mujeres en un punto crucial en sus vidas. Muriel es una chica de 20 años que vive en Bruselas y busca darle una dirección a su existencia. Alquila una habitación en casa de Laura, una mujer treintañera con una caótica vida amorosa y un creciente deseo de tener un hijo, pero que representa todo lo que Muriel quiere ser: independiente, sensual y desinhibida. Martha, la madre de Muriel, mujer cercana a los sesenta años, es mudo testigo de los hechos desde la distancia, al tiempo que mira su propia vida de aislamiento. El cauce que toma la vida de su hija le lleva a enfrentar los recuerdos enterrados: sus propios sueños que olvidó junto con su juventud. Las vidas de las tres mujeres se entrecruzan influenciándose mutuamente para, al final, alcanzar un interesante desenlace.

Fotos:

El último magnate es una película con guión de Harol Pinter basado en la última e inacabada novela de Francis Scott Fitzerald, cuenta la historia de la época dorada de los estudios de Hollywood, durante los años treinta, donde transcurren oscuras tramas -habituales en la carrera por el estrellato- de muchos de los aspirantes a actores, escritores y productores cinematográficos.
Fue la última película de Elia Kazan, en ella conserva  todo su poderío, además de representar un estilo casi en vías de extinción: el de los filmes clásicos, rodados por cineastas que querían contar historias por encima de todo. Soberbio guión, fascinantes imágenes que retratan un fragmento de la historia de Hollywood en el que junto al glamour conviven los sueños de poder, ambición y arribismo. Una mirada nada cómplice, nada cinéfila, a los años dorados del cine. Por si fuera poco, el deslumbrante reparto redondea la función.

Sinopsis, crítica, vídeo:

El último magnate es una película con guión de Harol Pinter basado en la última e inacabada novela de Francis Scott Fitzerald, cuenta la historia de la época dorada de los estudios de Hollywood, durante los años treinta, donde transcurren oscuras tramas -habituales en la carrera por el estrellato- de muchos de los aspirantes a actores, escritores y productores cinematográficos.
Fue la última película de Elia Kazan, en ella conserva  todo su poderío, además de representar un estilo casi en vías de extinción: el de los filmes clásicos, rodados por cineastas que querían contar historias por encima de todo. Soberbio guión, fascinantes imágenes que retratan un fragmento de la historia de Hollywood en el que junto al glamour conviven los sueños de poder, ambición y arribismo. Una mirada nada cómplice, nada cinéfila, a los años dorados del cine. Por si fuera poco, el deslumbrante reparto redondea la función.

Sinopsis, crítica, vídeo:

Pauline (Dora van der Groen), una cándida "niña" de 66 años con una evidente incapacidad mental pero un gran corazón. Su vida al lado de su hermana Martha (Julienne de Bruyn) en un chalet belga cambia radicalmente al morir ésta.
Debrauwer logra un conmovedor filme que confronta la dura realidad con la necesidad natural de Pauline de sentirse amada por su familia.
El resultado final es un sorprendente ejercicio fílmico que aboga por las sutiles maravillas que la gente con discapacidad intelectual está siempre dispuesta a compartir.

Web oficial:

Meisje (una joven)   es una historia sobre tres mujeres en un punto crucial en sus vidas. Muriel es una chica de 20 años que vive en Bruselas y busca darle una dirección a su existencia. Alquila una habitación en casa de Laura, una mujer treintañera con una caótica vida amorosa y un creciente deseo de tener un hijo, pero que representa todo lo que Muriel quiere ser: independiente, sensual y desinhibida. Martha, la madre de Muriel, mujer cercana a los sesenta años, es mudo testigo de los hechos desde la distancia, al tiempo que mira su propia vida de aislamiento. El cauce que toma la vida de su hija le lleva a enfrentar los recuerdos enterrados: sus propios sueños que olvidó junto con su juventud. Las vidas de las tres mujeres se entrecruzan influenciándose mutuamente para, al final, alcanzar un interesante desenlace.

Fotos: