Basada en una novela de Shintaro Ishihara, famoso por su capacidad para retratar a una parte de la juventud japonesa de la época, está película permitió a Shinoda hacer una incursión en el cine yakuza o de gángsters sin limitarse a seguir los clichés del género. El protagonista, hastiado y confuso como muchos de los jóvenes que pueblan las cintas de Shinoda en esta época, se lanza a una carrera de sacrificio y derrota, no por los valores de la ética yakuza, sino por su irrefrenable deseo de belleza, en este caso encarnada en una joven rica en busca de emociones fuertes que la saquen de su aburrimiento.

Con música de Tôru Takemitsu, paisajes de belleza formal abstracta y secuencias de juego presentadas con un elaborado montaje, Flor pálida fue el largometraje que dio a conocer el trabajo de Shinoda a nivel internacional.

Lehrer im Wandel

Basándose en tres ejemplos concretos, Kluge demuestra la "situación imposible de la educación" (así reza el rótulo intermedio). Adolf Reichwein era un funcionario ministerial prusiano y catedrático. Bajo los nacionalsocialistas se retiró a una escuela de pueblo y desarrolló allí un modelo pedagógico. En 1944 fue ahorcado. - Friedrich Rühl era un pedagogo apasionado, que creía en el poder de la educación. En 1944 tiene que conducir a un grupo de sus discípulos al frente, de los cuales sólo sobrevivirán cuatro. Después la guerra, Rühl no quiere volver a ejercer su profesión. - Margit M. era partidaria de la llamada reforma escolar radical. Consideraba que "bajo la dictadura del partido" no podía seguir siendo maestra. No obstante, asume finalmente una actividad pedagógica en la RDA, siendo después "excluida del magisterio debido a arbitrariedad pedagógica". - Son tres ejemplos sobre la forma en que idealismo y educación se frustran al chocar con la historia real. Se trata de un motivo que hasta Die patriotin reaparece siempre en los filmes de Alexander Kluge.

Trabajo ocasional de una esclava

Año 2008. ¿Qué resulta más provocador, arrancar una película con una cita de Fiedrich Engels o incluir en el metraje un aborto rodado en detalle y con toda la crudeza de la operación? En un panorama cinematográfico en el que abunda la doble moral, y aceptamos violencias extremas en las pantallas, nos asustan y escandalizan escenas como las que filmó Alexander Kluge en 1973: un aborto en primer plano, y planteado sin ningún tipo de escudo o anteojo moral: es un aborto, y la película rehuye cualquier tipo de juicio sobre las acciones de la protagonista, limitándose a describir la dureza de una vida que, para avanzar, debe hacerlo a gol pe de abortos clandestinos. Es la crudeza, la asepsia, la falta de una mirada justiciera, de una coartada moral, lo que nos asusta, no las imágenes de detalle ni la estremecedora posibilidad de que el aborto sea real.

Que la película llegue a nuestras pantallas con 35 años de retraso, cuando el nuevo cine alemán al que perteneció se ha disuelto en las brumas del tiempo y el manifiesto de Oberhausen es una reliquia de museo, no le quita fuerza a un planteamiento cinematográfico necesario y hasta pertinente. Kluge no enjuicia las acciones de Roswitha, porque ella es, en realidad, una esclava, como reza el título. Esclava de un marido parásito que aborrece el oficio de su mujer, pero que vive del dinero que este produce. Esclava de un sistema que convierte los sueños en consumo y las esperanzas en molestos caprichos que se esfuman con más dinero. Esclava de un sistema que le aboca al aborto, ilegal, y que luego pretende juzgarla y condenarla por ello. La frase de Engels que inaugura el film, "Todo lo que mueve a la humanidad pasa primero por sus mentes, pero la forma que adquiere depende de las circunstancias", explica muy bien que, tras su intentona revolucionaria en la empresa del marido, acabe vendiendo salchichas envueltas en panfletos socialistas. Una deriva política que no es una deriva, sino la modesta puesta en pie de una esclava que lucha por aquello que se le ha arrebatado: la posibilidad de ser autora de su propia vida. Y esto es, quizá, lo más provocador de la película.

Gonzalo De Pedro en CAHIERS DU CINEMA ESPAÑA (septiembre 2008)Lehrer im Wandel

Una nueva incursión en el cine de género de Masahiro Shinoda, en este caso en el drama histórico o jidai geki. En Assasination, el director vuelve a retratar un periodo tumultuoso de la historia japonesa, en este caso el bakufu o Fin del Shogunato que conduciría a la restauración de los poderes del emperador y a la entrada de Japón en la modernidad, periodo con claras similitudes con el que vivía el país en la década de los sesenta. En esta película, Shinoda nos cuenta la historia de Hachiro Kiyokawa y su voraz ambición de poder para la que crea unas impactantes imágenes que reflejan su maestría como director a pesar de su juventud.

Realista en su descripción histórica, el film sin embargo utiliza notables técnicas modernas para ofrecer una semblanza subjetiva y compleja de este período de la historia japonesa, como así también las maquinaciones cotidianas que apuntalaron su desarrollo.

Una nueva incursión en el cine de género de Masahiro Shinoda, en este caso en el drama histórico o jidai geki. En Assasination, el director vuelve a retratar un periodo tumultuoso de la historia japonesa, en este caso el bakufu o Fin del Shogunato que conduciría a la restauración de los poderes del emperador y a la entrada de Japón en la modernidad, periodo con claras similitudes con el que vivía el país en la década de los sesenta. En esta película, Shinoda nos cuenta la historia de Hachiro Kiyokawa y su voraz ambición de poder para la que crea unas impactantes imágenes que reflejan su maestría como director a pesar de su juventud.

Realista en su descripción histórica, el film sin embargo utiliza notables técnicas modernas para ofrecer una semblanza subjetiva y compleja de este período de la historia japonesa, como así también las maquinaciones cotidianas que apuntalaron su desarrollo.

Basada en una novela de Shintaro Ishihara, famoso por su capacidad para retratar a una parte de la juventud japonesa de la época, está película permitió a Shinoda hacer una incursión en el cine yakuza o de gángsters sin limitarse a seguir los clichés del género. El protagonista, hastiado y confuso como muchos de los jóvenes que pueblan las cintas de Shinoda en esta época, se lanza a una carrera de sacrificio y derrota, no por los valores de la ética yakuza, sino por su irrefrenable deseo de belleza, en este caso encarnada en una joven rica en busca de emociones fuertes que la saquen de su aburrimiento.

Con música de Tôru Takemitsu, paisajes de belleza formal abstracta y secuencias de juego presentadas con un elaborado montaje, Flor pálida fue el largometraje que dio a conocer el trabajo de Shinoda a nivel internacional.

Lehrer im Wandel

Basándose en tres ejemplos concretos, Kluge demuestra la "situación imposible de la educación" (así reza el rótulo intermedio). Adolf Reichwein era un funcionario ministerial prusiano y catedrático. Bajo los nacionalsocialistas se retiró a una escuela de pueblo y desarrolló allí un modelo pedagógico. En 1944 fue ahorcado. - Friedrich Rühl era un pedagogo apasionado, que creía en el poder de la educación. En 1944 tiene que conducir a un grupo de sus discípulos al frente, de los cuales sólo sobrevivirán cuatro. Después la guerra, Rühl no quiere volver a ejercer su profesión. - Margit M. era partidaria de la llamada reforma escolar radical. Consideraba que "bajo la dictadura del partido" no podía seguir siendo maestra. No obstante, asume finalmente una actividad pedagógica en la RDA, siendo después "excluida del magisterio debido a arbitrariedad pedagógica". - Son tres ejemplos sobre la forma en que idealismo y educación se frustran al chocar con la historia real. Se trata de un motivo que hasta Die patriotin reaparece siempre en los filmes de Alexander Kluge.

Trabajo ocasional de una esclava

Año 2008. ¿Qué resulta más provocador, arrancar una película con una cita de Fiedrich Engels o incluir en el metraje un aborto rodado en detalle y con toda la crudeza de la operación? En un panorama cinematográfico en el que abunda la doble moral, y aceptamos violencias extremas en las pantallas, nos asustan y escandalizan escenas como las que filmó Alexander Kluge en 1973: un aborto en primer plano, y planteado sin ningún tipo de escudo o anteojo moral: es un aborto, y la película rehuye cualquier tipo de juicio sobre las acciones de la protagonista, limitándose a describir la dureza de una vida que, para avanzar, debe hacerlo a gol pe de abortos clandestinos. Es la crudeza, la asepsia, la falta de una mirada justiciera, de una coartada moral, lo que nos asusta, no las imágenes de detalle ni la estremecedora posibilidad de que el aborto sea real.

Que la película llegue a nuestras pantallas con 35 años de retraso, cuando el nuevo cine alemán al que perteneció se ha disuelto en las brumas del tiempo y el manifiesto de Oberhausen es una reliquia de museo, no le quita fuerza a un planteamiento cinematográfico necesario y hasta pertinente. Kluge no enjuicia las acciones de Roswitha, porque ella es, en realidad, una esclava, como reza el título. Esclava de un marido parásito que aborrece el oficio de su mujer, pero que vive del dinero que este produce. Esclava de un sistema que convierte los sueños en consumo y las esperanzas en molestos caprichos que se esfuman con más dinero. Esclava de un sistema que le aboca al aborto, ilegal, y que luego pretende juzgarla y condenarla por ello. La frase de Engels que inaugura el film, "Todo lo que mueve a la humanidad pasa primero por sus mentes, pero la forma que adquiere depende de las circunstancias", explica muy bien que, tras su intentona revolucionaria en la empresa del marido, acabe vendiendo salchichas envueltas en panfletos socialistas. Una deriva política que no es una deriva, sino la modesta puesta en pie de una esclava que lucha por aquello que se le ha arrebatado: la posibilidad de ser autora de su propia vida. Y esto es, quizá, lo más provocador de la película.

Gonzalo De Pedro en CAHIERS DU CINEMA ESPAÑA (septiembre 2008)Lehrer im Wandel

Edgar Reitz y Alexander Kluge, guionistas, realizadores y productores del film cuyos intérpretes son exclusivamente actores no profesionales, han recorrido durante unos quince días las calles de la ciudad de Francfort, captando las más diversas imágenes de la metrópoli. Seleccionando el material obtenido, suficiente para una película de más de ocho horas de duración, los autores han montado un film de noventa minutos aproximadamente. Este viaje de hora y media a través de Francfort nos hace observar las escenas más variadas: manifestaciones callejeras, desahucios, carnaval, el Congreso del partido socialista. La parte documental encuentra su complemento en la ficción representada por la historia de la ratera lnge Meyer y de la espía Rita. El original título del film remonta a un epígrafo del Barón Friedrich von Logau, escritor alemán de la primera mitad del siglo XVII.

De nuevo una cinta histórica, en este caso una cinta de espadachines o chambara con un claro tono político, que sirve a Masahiro Shinoda para reflejar la inestabilidad social del Japón de la época y cómo esta situación convulsa produce una profunda desorientación en las generaciones más jóvenes. En concreto, el director nos transporta a los años posteriores a la Batalla de Sekigahara (1600) en los que el clan Tokugawa está construyendo una hegemonía que duraría más de dos siglos y medio. El protagonista de esta cinta, un espía al servicio de un pequeño clan, se ve envuelto en una lucha de poder en la que no sabe de qué parte estar. Un ejemplo de chambaza atípico, lleno de imágenes de gran belleza, y muy diferente a los clásicos de la década de los cincuenta, en el que hasta las escenas de lucha se nos presentan altamente estilizadas.

Valle Inclán parece haber servido de pretexto a Bardem para hacer un canto a la libertad y a los deseos de convivencia de los exiliados, proyectándolo sobre nuestros días desde más de un siglo atrás. La acción de la primera parte transcurre en Galicia en 1824, cuando los guerrilleros liberales luchaban contra las fuerzas de! absolutismo fernandino, que Bardem encarna en la figura de! conde de Brandeso, caracterizándola al modo de los siniestros personajes de melodrama que ya desaparecieron de los escenarios. La segunda parte está localizada en Tierra Caliente, seis años después.

El episodio español supera con mucho al mejicano, y no sólo porque Aurora Bautista sea mejor actriz que María Félix, sino porque la narración tiene mayor continuidad y está más concentrada, y porque luce el espléndido pasaje de la Santa Compaña, y porque la fotografía de Cecilia Paniagua, mucho más difícil, es también mucho más bella que la del famoso Gabriel Figueroa. Dos únicos personajes aparecen en ambos episodios: el héroe, encarnado con arrogancia y desenvoltura por Francisco Rabal -único valor del film que reconocen todos los críticos- y el que asume con su siempre segura profundidad Fernando Rey, personaje éste inventado por Bardem y que le sirve para sus discursos ideológicos, que nada tienen que ver con la intención ni con la calidad de las Sonatas.

Carlos Fernández Cuenca. Diario Ya (5/IX/1959)

Valle Inclán parece haber servido de pretexto a Bardem para hacer un canto a la libertad y a los deseos de convivencia de los exiliados, proyectándolo sobre nuestros días desde más de un siglo atrás. La acción de la primera parte transcurre en Galicia en 1824, cuando los guerrilleros liberales luchaban contra las fuerzas de! absolutismo fernandino, que Bardem encarna en la figura de! conde de Brandeso, caracterizándola al modo de los siniestros personajes de melodrama que ya desaparecieron de los escenarios. La segunda parte está localizada en Tierra Caliente, seis años después.

El episodio español supera con mucho al mejicano, y no sólo porque Aurora Bautista sea mejor actriz que María Félix, sino porque la narración tiene mayor continuidad y está más concentrada, y porque luce el espléndido pasaje de la Santa Compaña, y porque la fotografía de Cecilia Paniagua, mucho más difícil, es también mucho más bella que la del famoso Gabriel Figueroa. Dos únicos personajes aparecen en ambos episodios: el héroe, encarnado con arrogancia y desenvoltura por Francisco Rabal -único valor del film que reconocen todos los críticos- y el que asume con su siempre segura profundidad Fernando Rey, personaje éste inventado por Bardem y que le sirve para sus discursos ideológicos, que nada tienen que ver con la intención ni con la calidad de las Sonatas.

Carlos Fernández Cuenca. Diario Ya (5/IX/1959)

Edgar Reitz y Alexander Kluge, guionistas, realizadores y productores del film cuyos intérpretes son exclusivamente actores no profesionales, han recorrido durante unos quince días las calles de la ciudad de Francfort, captando las más diversas imágenes de la metrópoli. Seleccionando el material obtenido, suficiente para una película de más de ocho horas de duración, los autores han montado un film de noventa minutos aproximadamente. Este viaje de hora y media a través de Francfort nos hace observar las escenas más variadas: manifestaciones callejeras, desahucios, carnaval, el Congreso del partido socialista. La parte documental encuentra su complemento en la ficción representada por la historia de la ratera lnge Meyer y de la espía Rita. El original título del film remonta a un epígrafo del Barón Friedrich von Logau, escritor alemán de la primera mitad del siglo XVII.

De nuevo una cinta histórica, en este caso una cinta de espadachines o chambara con un claro tono político, que sirve a Masahiro Shinoda para reflejar la inestabilidad social del Japón de la época y cómo esta situación convulsa produce una profunda desorientación en las generaciones más jóvenes. En concreto, el director nos transporta a los años posteriores a la Batalla de Sekigahara (1600) en los que el clan Tokugawa está construyendo una hegemonía que duraría más de dos siglos y medio. El protagonista de esta cinta, un espía al servicio de un pequeño clan, se ve envuelto en una lucha de poder en la que no sabe de qué parte estar. Un ejemplo de chambaza atípico, lleno de imágenes de gran belleza, y muy diferente a los clásicos de la década de los cincuenta, en el que hasta las escenas de lucha se nos presentan altamente estilizadas.